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Brian Molanphy

瘋人花
The Flower That Can Drive You Crazy
 

透過花、茶、磁磚與茶器等器物尺度的作品，《瘋人花》描繪出台灣地景的流動軌跡,從山脈、溪谷、海岸到海洋，再循著雲層回返大地。在這些流動的路徑之中，人類文化所建構的建築介入其中；它們改變自然，也終將被自然所改變。
在台灣濕潤而多山的地貌裡，水流自熱帶森林的泉源出發，流經山區果園、都市水道與沖積平原農地，最終匯入台灣海峽。建築陶瓷，尤其是隨處可見的在地紅磚，引導著這些流動，順應其方向，也在時間的推移中反覆顯現，持續參與著地景的形成。

建築師 Rem Koolhaas 曾說，建築最重要的是入口與出口。這個概念既存在於港口這樣宏大的尺度，也存在於一組茶具這樣微小而日常的尺度之中。「茶」作為一種連結自然與文化的媒介，不僅揭示了兩者之間的共通性，也為日常生活開啟了超越功能性的感知經驗，使人們得以透過器物近距離感受陶瓷所承載的物質性與文化意涵。

本次展覽源自藝術家於 2025 至 2026 年間在國立臺北教育大學藝術與設計學系的駐校創作經驗。駐留期間，藝術家嘗試將法國普羅旺斯大理石紋陶藝技法與台灣茶器文化相互融合，發展出新的創作方向。展覽亦包含於苗栗清窯柴燒及陽明山 Cloud Forest Ceramics 蘇打燒駐留期間完成的作品，構築出《瘋人花》的地景、材料與流動 。

The Flower That Can Drive You Crazy
Through flowers & tea, tiles & pots, all on an intimate scale, The Flower That Can Drive You Crazy represents the flow of the grand scale of Taiwanese landscape from mountains to valleys to shoreline to the ocean, then back again through clouds. Across these places are the architectural interventions of culture, which ravage nature & are themselves ravaged by nature, eventually.
On the large scale of Taiwan’s wet mountainous landscape, flows merge from tropical forest springs to mountain orchards to urban canals to delta farming to the Taiwan Strait. Architectural ceramics, mostly local red brick, direct the flow, submit to it, then like stubborn refractory re-emerge to maintain that flow.
Rem Koolhaas says that what matter in architecture are the exits and entrances. This ranges from the grand scale of a harbor to the small scale of a tea service. Arguably the world’s most common product that shows the commonality of nature and culture, tea provides us a place to make everyday life extraordinary, to live up close in the charm of ceramics.
Artist residency at NTUE (National Taipei University of Education), Department of Art and Design during 2025 and 2026 made possible this exhibition. The residency was an opportunity to combine French (Provençal) marbled ceramics with Taiwan tea ware. Artworks produced at residencies at Qing Yao, Miaoli with wood firing & Cloud Forest Ceramics, Yangmingshan with soda firing are also included in this exhibition.

 

展覽日期：2026.6/6-7/5

 

 

Teruri Yamawaki

Have We Met Before?
我們是不是在哪裡見過？

 

為什麼有些地方，即使是第一次到訪，卻會令人感到熟悉？ 本次展覽為日本藝術家 Teruri Yamawaki 首次來到台灣進行創作。於台南藝術大學近三個月的駐村期間，她不斷經歷著似曾相識的瞬間，那些來自濕氣、聲音、氣味、片段的對話，以及日常生活裡流動的氛圍。藝術家以取自在地的陶土與海邊砂礫進行創作，透過材料、直覺與記憶，慢慢觸碰這片土地，並與之建立連結。

 

Why can a place feel familiar even when visiting for the first time? During her residency in Tainan National University of the Arts, Teruri Yamawaki found herself repeatedly experiencing moments of déjà vu — through humidity, sounds, smells, fragments of conversation, and the atmosphere of everyday life. Working with local clay and beach sand, the artist approached making not as a way of explaining Taiwan, but as a way of touching and slowly connecting with the place through material, intuition, and memory.

 

展覽日期：2026.5/29-5/31

 

 

陳薇因 Chen, Wei Yin
大風吹

Something Went Wrong 

 

聽到大風吹，所有原本的秩序都將被打散、重列。夾帶著慌亂與趣味移動、找尋位置，恰好是我對於當前狀態的詮釋。一邊收拾、安頓這陣大風帶來的雜亂，一邊期待這陣風能狂亂地吹散既有的秩序。在反覆的過程中拾起一些矛盾的片刻，讓一切停留在玩笑與現實之間。

 

At the call of "The Big Wind Blows," all original order is scattered and rearranged. Moving and searching for a position amidst a blend of panic and playfulness—this is precisely my interpretation of my current state.
While tidying and settling the mess brought by this gale, I also anticipate that the wind might blow even more frantically, scattering the existing order. Through this repetitive process, I gather contradictory moments and allow everything to linger between a joke and reality—where Something Went Wrong.

 

展覽日期：2026.5/9-5/31

 

 

Woo Jung KOH 高于晶
 
Afterimage of a Shadow
我是否愛我自己：殘像與身體的重構
 
 
在 Woo Jung KOH 的此系列作品中，可見的是一系列不被支撐的結構與未被縫合的接點。對藝術家而言，身體不再是一個穩定封閉的生物性整體，而是一個可被解構、重組，甚至重新界定的場域。
土作為創作材料，在其可塑與抵抗之間，承載了藝術家反覆的勞動——壓實、撕裂、扭曲與再度拼貼。這些破壞與重建的動作，實則構成藝術家對抗外部凝視的過程：她將那些被他人目光所解構的身體，透過自身雙手的觸感重新建構與覆蓋。
這些不完整的身體軀殼，既不試圖修復某種已然逝去的完整性，也不為填補缺失而存在；它們是為了「感受不存在」而生成，是破碎之軀試圖自我連接的掙扎痕跡。
Woo Jung KOH 透過這些包含裂縫的不完全整體，直面情感離去後所留下的缺席。她以自身的身體經驗為證，將無形的情緒轉化為有形的殘像，在虛空與實體之間，指認那些曾經存在、並仍以另一種形式延續的痕跡。
In this series, Woo Jung KOH presents a succession of unsupported structures and unsealed joints. For the artist, the body is no longer understood as a stable, enclosed biological whole, but as a field that can be deconstructed, reorganized, and redefined.
Clay, as her primary material, carries the weight of repeated labor within its dual qualities of plasticity and resistance—compressing, tearing, twisting, and reassembling. These gestures of destruction and reconstruction constitute a process of resisting the external gaze: the body once fragmented by others’ perception is reconfigured and overlaid through the tactile engagement of her own hands.
These incomplete bodily shells neither attempt to restore a lost wholeness nor seek to compensate for absence. Rather, they are generated as a means of “sensing what no longer exists”—traces of a fractured body struggling toward self-connection.
Through these incomplete forms marked by fissures, Woo Jung KOH confronts the absence left behind after emotion has departed. Drawing upon her embodied experience, she transforms intangible feelings into tangible afterimages. Between void and matter, she renders visible what once existed,and continues to persist in another form.
 
展覽日期：2026.2/27-3/18
 

Everything, Everywhere, Everyone
— Bukak Ceramic Artists Group

 

來自韓國的當代陶藝組織 BUKAK，由18位陶藝家共同組成。

「BUKAK」之名源自首爾的北岳山，象徵自然、地景與城市之間的關係，也隱喻陶瓷創作中，對材料、環境與身體感知的持續關注。本次展覽，藝術家們將帶來全新的作品，透過陶瓷的語言，呈現每一個人不同的生活節奏、創作語言，以及觀看材料的核心方式。

Artist ：Han YoonBin、Yoon JangSig、Kim SangMan、Kim MyungRye、Shin KiBok、Lee JungRan、Shim JiSoo、Kim KookHwan、
Cho MiRa、Lee JeongYong、Jeon SangWoo、Kim HyoungJoo、Jung SoHye、Shin SuYeon、Lee HaeJin、Lee SongAm、Choi YeonSeo、Moon DaWoon

 

展覽日期：2026.01.17 – 02.08

Nelson Lim 林善春

Still 靜

 

Still 靜，是一段關於平衡與轉變的旅程。

在這個系列中，Nelson Lim 呈現材料本身的自發秩序。作品藉由色彩、纖維的柔軟性，以及燒製後的凝結與永恆，在無序的狀態中生成一種和諧的張力。

在層層交疊的折痕之間，褶皺形成了平靜的節奏感。

這種介於亂與靜、形與無形之間的關係，源自 Nelson Lim 對中國哲學家老子思想的體會：「水無所作而為萬物之支撐；水能變化多端；靜水澄清自我，動水則使混濁。」使他在創作的過程中，進入一種正念與冥想的狀態，如同靜水般沉澱而清明。

Still — is a journey of balance and transformation.

In this series, Nelson Lim presents the spontaneous order inherent in his materials. Through the interplay of color, the softness of fibers, and the permanence attained after firing, each work generates a sense of harmonious tension within states of unstructured form.
Within the layered folds, the creases develop a quiet, measured rhythm. 
This relationship between disorder and stillness, form and formlessness draws from Nelson Lim’s  understanding of the Chinese philosopher Lao Zi’s teachings: “Water does nothing, yet supports all things; water takes myriad forms; still water clears itself, while moving water becomes turbid.”In the process of making these works, the artist enters a state of mindfulness and contemplation, settling into a clarity that resembles the calm of still water.

 

展覽日期：2025.12/17-2026.1/11
 

 

Yuin Chien

形形  Shape of Form 

 

本次展覽「形形」呈現一系列從文字形體出發的作品，將字母結構由二維概念轉化為三維立體物件。每件作品皆從拆解與重構其文字原型開始，探索符號意義與抽象之間的邊界。

 

Yuin Chien

出生於台南，現居舊金山，長期在科技、設計與藝術的交界處工作。她的創作以敘事性的設計語言為特色，藉此建構出觀看與感知世界的新方式。近年，她將創作領域延伸至陶土媒材，透過雕塑、上釉與燒製等實驗過程，發掘材料形態、表面質地與釉色美感的更多可能性。本次展覽亦是她首次於台南發表陶藝雕塑作品。

 

Born in Tainan and currently based in San Francisco, she works at the intersection of technology, design, and art. Her practice is defined by a narrative form of design that constructs new ways of seeing and sensing the world. In recent years, she has expanded her creative scope, turning to clay as a new medium. Through the intricate process of sculpting, painting, and firing, she uncovers new insights into material form, surface texture, and the aesthetic possibilities of glazes. This exhibition marks her first presentation of ceramic sculptures in the city of her home town, Tainan.

 

展覽日期：11/16-12/7
 

Giulia Valentino

TEA — A Possible Vernacular

茶作為對話的可能
 

 

Giulia為期六週的創作計劃，進入展覽階段，她想透過這個展覽與妳分享這段期間的累積，並期待展開新的對話。

Giulia的創作始於「茶」這一材料，而非儀式。以茶葉為媒介，將其燒成灰，用以調配釉藥；並將傳統的茶具重新拆解、拉伸、重構，形成介於器與建築之間的混融形態。這些作品不在於否定傳統，也不在於重複傳統，而是嘗試讓「茶」以另一種方式存在，透過實驗的過程，讓材料產生對話的語言。

 

This project begins with tea used as material rather than ceremony.Tea leaves are burned into ash and transformed into glazes; traditional vessels shift into hybrid forms.The work does not reject tradition, nor idealize it. It suggests that tea can exist in other ways — through utility, variation, and quiet experimentation. Each piece is a study: a small step toward another vocabulary of tea.

 

展覽日期： 2025.11/1-11/9
 

我在路上了
clay on the way

 

「我在路上了」，描繪的是八位創作者在生活與土之間的連結，也是一種與時間相處的方式，八位作者在不同的時間點，來到同一個空間，被記錄下創作與生命交錯的片刻。

他們來自各自的專業背景與生活節奏，有來自精緻餐飲業的副廚，想像料理被器皿承裝的樣貌；有曾是AI數位開發工程師，渴望用雙手說出更多關於生活的故事；有學習物理與建築的室內設計師，精密地計算陶板切割的線條；有在博物館管理古陶瓷的研究者，將所閱讀過的古典造型化為當代手感；也有母親，在能與自己對話的片刻裡，享受寧靜的時間。

我們總是靜靜觀察著每一位前來習陶的朋友，看著他們單純而專注地深陷其中，一起用不同的視角理解事物的運作，一起探索材質，保持對生活的熱情，而我們也都還在路上。

邀請大家在秋季的台南，一起與他們聊聊作品以及作品外的世界。

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2025 the chin chin gathering 
作者：甘荃、周小七、是阿薛、洪尚豪、張郁昕、Allen、豬媽媽、Yu-Pin

 

展覽日期：：2025. 10/18- 10/26

 

 

山中彩 Aya Yamanaka 

Layers of days
染色纖維創作展 Solo exhibition

 

生活就是層層的色彩堆疊而成 _ 山中彩

今次山中彩在青青土氣舉辦的展覽，以染色創作作為日常書寫的媒材，展間更特別由一樓延伸至二樓，一樓作品以柿染為主軸創造一幅幅器物風景，也帶來對於染色技法的重新詮釋；隨著光線的流動進到二樓，彩色絲綢作品則讓光影穿透布料，色彩於空間中擴散，注入更多呼吸的氣息。

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山中彩 Aya Yamanaka
1992 年生於日本京都宇治，自幼成長於藝術家庭,父親為木工藝術家，母親為畫家,自小培養了她對色彩的敏銳感受。畢業於金澤美術工藝大學染織專攻，2017 年赴台就讀國立臺南藝術大學應用藝術研究所纖維組，隨後返回京都市立藝術大學，取得工藝美術與設計博士學位，持續將染織實踐與跨文化研究結合。

在台灣五年的學習與生活，讓她深入接觸南島民族的染織文化，並親身走訪蘭嶼、沖繩、石垣島等地進行田野調查，進一步深化對地域文化與植物染料的興趣。近年創作多取材自自然風景,山林、光影與植物色彩—透過柿染、鐵鏽染與手工染布等技法，將自然的色彩層次轉化為纖維作品。同時，她期盼自己能持續學習並回應傳統染織技術，並以新的觀點與手法轉化為個人獨特的創作風格。

 

 

展期：2025.9/20-10/12

 

 

吉岡正義Masayoshi Yoshioka

sun & moon
 

《sun & moon》探討禪的精神，作品中呈現兩股表面對立卻彼此共生的能量：理性與感性、熱情與靜寂、光與影。在禪的世界觀中，這些對比並非衝突，而是同源的一體。

吉岡正義於台南藝術大學駐村兩個月，觀察並實驗在地材料，創作出一系列茶碗與陶器作品。透過本次展覽，他邀請觀者體驗藝術如何跨越國界、語言與制度的藩籬，並在「間」與「靜」之中，回望自身內在。

吉岡正義出生於日本金澤，早年受九谷燒傳統薰陶，逐漸在工藝與當代陶藝之間建立獨特的語彙。他的作品以簡練的造形、沉靜的色調與自然生成的紋理為特色。2024 年，他展開 Material First 系列展覽，首站於台南青青土氣，之後巡迴至法國諾曼第與美國紐約。一年多後，他再次回到台南，帶著新的想法與創作與我們分享。

在國際交流的過程中，吉岡正義逐漸培養出一種跨越地域的美學視野：陶器不僅是日常器物，更是文化與精神對話的載體。 他的作品內斂卻充滿張力，既根植於傳統，又具有當代感，在「靜」與「動」、「偶然」與「必然」的平衡中，展現出獨特的美學風格。

 

 

展覽日期：2025.8/30-9/14

 

Daisy Toh 杜麗茜

Scapes of Likeness 相似之地

 

來自新加坡的藝術家杜麗茜，以陶藝探索記憶與身份的層疊與流變，從新加坡的童年記憶與家族經營的相館，到在台灣面對文化位移與「本地外來者」的處境。她透過層疊的材料、抽象的形態與藍色儀的測量，引導觀者感受感知與情感隨時間流轉的軌跡。

作品的質感表面與層疊形狀，映照著經驗、情感與記憶的積累，揭示自我形成是一個複雜而持續的過程，有時完整，時而未解。展覽亦呈現靜默的過渡空間—間隙與停頓，象徵不確定或尚未釐清的記憶時刻。光線、空間與反射質感，揭示作品的細膩深度與微妙變化；藍色儀則如同冥想工具，映照感知與記憶的持續流動，如同天空的色調瞬息萬變。

《相似之地》邀請觀者凝視自身層疊的記憶與身份，並思考我們如何建構、承載與轉化自我，一段由個人歷史、文化位移與人生流變共同塑造的旅程。

 

 

展覽日期： 2025.8/9-8/24
 

尹穎琪Vicky Wan｜楊子敬 Beavis Yeung 

左子樹與右子樹

樹冠羞避是在一些樹種上觀察到的現象，它們的樹冠互不遮擋，避免接觸，形成一個溝狀開口。樹與樹作為鄰居，成為了左子樹與右子樹。人與人之間也存在這微妙的距離，像是一種社交上的默契。


香港陶藝家楊子敬與尹穎琪從探索獨處延伸到一人之外，二人從「樹冠羞避」的現象為靈感，展覽以此討論邊界感和社交距離。

 


展覽日期：2025.7/19 — 8/3

 

垃圾渲染 — 器物獸  Rendering Garbage—Artifact Beast

田倧源與八位參與者
王瑀 盧澤霆 楊佳璇 張碩尹
翁穎諄 吳青諭 薛伊彣 邱靖婷

六月份時我們展開為期三週的「垃圾渲染 — 器物獸」工作營，由藝術家田倧源引導創作。

網拍、郵購、取貨、拆箱，這些日常消費的慾望之物，總是包裹著一次性使用的紙外衣。它們或有著精緻的印刷、或有著貼合產品的特殊外形，拆開後總覺得棄之可惜，漸漸地堆在某個角落，成為家中的無用風景。共同討論拆後即失去功能的紙容器，如何藉由造形組合、轉化材料，而成為另類感覺之物。不再是服務某個產品，而是自己本身即是產物，即是意義。將多種紙容器切割組合、互相沾黏，變成可玩賞的胚膜，再賦予它新的外殼—陶土。高溫燒製後，紙消散了，幻化為另一種物件，或是能再陪伴更久的小怪獸。

想透過本次展覽與你分享器物獸停留與隱沒的風景。

 

展期：2025.6/29 – 7/13

 

 

陳美聿｜詹昀軒 - 野地 遊 Wandering Wilds


在苗栗山邊生活的這些年，我們常被自然中的微小瞬間打動，突然冒出地面的野花、夜裡悄悄經過的穿山甲，或是雨後閃閃發亮的葉片，那些像自然精靈般的片刻，都成為創作的靈感。

我們生活在這片土地上探索於自然之間，捕捉光影、感受風，透過雙手捏塑大地的風景，將自然的形狀轉化成作品。

今次於青青土氣展出的《野地 遊》，是十年間遷徙與生活的軌跡，也是一場仍在持續展開的探索旅程。我們透過陶藝創作回應自然的呼喚，將生活裡的觸動轉化為作品中的細節，邀請觀者一同感受自然的氣息，關於風、泥土、陽光、還有一點點野生的自由心。


展覽日期：：2025.5/31 - 6/15

Matthieu Manche  - グラグラ guragura

2025年1月21日凌晨00:17，台南發生一起規模6.4的地震，震央距離台南藝術大學不遠。當時，我正以駐村藝術家的身份在工作室創作。那並不是我經歷過最劇烈的地震，但對我的作品而言，卻已足夠猛烈。我的陶器分別擺放在兩層搖晃的架子上，以及兩座正進行高溫釉燒的電窯中，架子與窯體劇烈震動，作品也因此移位數公分。那次地震使我損失了超過三分之一的作品，無論是乾燥中、上釉中，或正燒製中的，它們一同倒下、破裂、熔化，甚至被黏合在一起。地震過後，我決定重新組裝這些碎裂的殘件，並再次燒製，而這段經歷也引領我進入了全新的創作實驗。
「グラグラ」（guragura）是日文的擬聲詞，用來形容晃動、不穩定與搖擺不定的感覺。
本次展覽中，我將展出於台南藝術大學創作的陶瓷作品，以及近期在東京工作室完成的一組繪畫，這些作品皆出自我自2004年以來持續發展的系列《世界堂》（sekaido），風格融合漫畫式繪畫與拼貼，素材則來自我旅行各地所拍攝的影像，以及在日本收集的插圖。本次展出的作品中，照片拍攝於台南，繪畫部分則於東京完成。
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Matthieu Manche 長期關注身體與其機能的探討——包括失衡、限制、分類、界定、邊界與不安的感知。陶瓷創作中的拼接與重構，更加突顯這份脆弱性：從成形、排窯到燒製，每個階段都充滿不確定與易碎。而這也是一場與重力的持續對抗，在每一次創作的最終結果中，尋找一種危險的平衡。於不穩定的邊緣，崩解與破裂之後，仍繼續生長、擴張，如同一種病毒般逐漸適應。
Matthieu Manche，1969 年出生於法國格勒諾布爾，現居東京。他長年旅居日本，也曾生活於布魯塞爾。創作橫跨裝置、雕塑、攝影、服裝、影像、行為、繪畫與版畫，近年專注於陶藝。

 


展期：2025.5/17-5/25 

梁筠竺 Yun-Chu Liang - 眾聲相：台南 In-Between : Tainan
 
這段旅程，來自藝術家梁筠竺對人與人之間連結的好奇。他想像，每個人身上都帶著細細的光，當彼此經過時，這些光會短暫地感應、亮起，然後又慢慢熄滅。在什麼情況下，這樣的光會變得有意識，而有意義呢？
2022年初春，他在柏林的市場裡發起了一個關於同理心的都市實驗。邀請陌生人在繁忙的市場裡坐下來喝杯茶，在公共場所一起練習傾聽、調整彼此的頻率。茶成為媒介，一方茶席成了舞台。每一場際遇，都被做成了一只承載故事的陶杯。
這方茶席，從柏林、萊比錫、非斯、柯特萊克到里加，累積了117只茶杯。它們像一個個的像素，在《眾聲相：台南》展覽裡聚集成為當代臉孔的畫像。帶著聲音，來到青青土氣，繼續與這座城市的人們交換故事。
 
梁筠竺是一位跨領域創作者，作品關注空間、聲音與身體記憶之間的關係。有建築與聲音研究背景的他透過裝置、聲音物件與參與式空間，探索人和環境之間，如何透過感官互相影響與連結。她的創作常從場域的質地與日常經驗出發，試著讓被忽略的聲音與細節被重新感受。
近年來特別關注「邊界」的議題，包含地理、政治或感知上的界線。長期研究計畫《眾聲相 In-Between》結合文化人類學與田野調查，思考聆聽如何成為在人與人、或公共空間中建立理解與共感的方法。她透過田野與紀錄，觀察聲音如何穿越空間與歷史，串起人與地方的連結。
 
 
展覽日期：2025.4/26-5/11
 
三浦宏基 - 器物展_Hiroki Miura solo exhibition
日本藝術家三浦宏基首次海外器物首展，將於青青土氣展開，此次展出以生活器皿為主題，表現他如何以創作回應日常景色與細微感受。
三浦宏基的作品融合山林自然的觀察、將其動物、植物、語言融入器皿之中。 經由自由捏塑與野燒技術，呈現原始與當代並存的獨特風格。形式跳脫傳統限制，作品充滿節奏與即興感;既帶有原始野性，也呈現溫暖的視覺趣味性。
三浦宏基 1991 年出生於日本廣島。畢業於有田窯業大學校，於波佐見燒工房研習陶藝，並自2020年起於佐賀縣武雄市展開獨立創作，現居於日本九州南部的佐賀縣。生活在山間田野之中，靈感來自動物、植物、氣候與土地，他擅長將日常 生活中的觀察轉化為豐富的創作。嘗試運用野燒技法，搭配稻草、木材等天然燃料，讓火焰與土壤的肌理在燒 製過程中產生無法預測的化學反應，形塑出獨一無二的陶面表情。其創作風格 融合傳統陶藝技法與當代藝術語彙，作品既保有古樸的原始感，又帶有自由、拙趣、實驗性的強烈視覺記憶。
 
 
展覽日期：2025.4/4-4/20
河星美 Sungmi Ha - 不急著成為一座森林_Serendipity in the Forest
韓國陶藝家河星美 Sungmi Ha 擅長轉譯對自然的細膩觀察，將森林中偶然邂逅的樹木、動物與寧靜氣息，凝鍊成陶藝雕塑。她的作品不僅呈現對自然的觀察，更投射出內心的情感與思考，層層交疊，形成獨特的敘事語彙。
今次展覽主題「不急著成為一座森林」，如同河星美獨特的敘述節奏，緩慢而細緻的生成著。作品依舊充滿童趣與療癒氣息，彷彿輕輕安撫我們的日常憂慮；有些則蘊含對內在狀態的投射與省思，如同靜靜佇立在森林深處的樹木，等待與觀者產生共鳴。
回望陶藝創作之路二十年來，多次的的駐村機會帶她前往了日本、芬蘭、荷蘭以及台灣進行創作，在異地探索的同時，她仍不斷檢視自身與內心，透過反覆思考與捏塑，創造出一件件內在靈魂伴侶的作品。她希望這些作品成為每位觀者在思索生命時的溫柔陪伴。
Serendipity in the Forest
Korean ceramic artist Ha Sungmi masterfully translates her delicate observations of nature into ceramic sculptures, distilling the essence of trees, animals, and the tranquil atmosphere encountered in the forest. Her works go beyond mere representations of nature; they weave layers of narratives that reflect her inner emotions and contemplations.
The theme of this exhibition, “No Rush to Become a Forest,” unfolds with a unique narrative rhythm reminiscent of Heo Seong-mi’s style—slow, delicate, and ever-evolving. The works remain infused with a sense of childlike whimsy and healing energy, gently soothing the worries of daily life. Some pieces, however, serve as reflections of inner states, much like trees standing quietly in the depths of the forest, patiently awaiting resonance with the viewer.
For the past 20 years, Ha Sungmi has continuously reflected on her own existence, shaping each piece through repeated contemplation and sculpting. Her creations, like soulful companions, are meant to offer comfort to those who seek meaning in life.
 
 
展覽日期：2025.3/15-3/30

Ahn Seong Man   安成萬

The Container of the Universe   宇宙的容器


「我從小就憧憬那片看不見盡頭的宇宙。」
韓國藝術家安成萬（Ahn Seong Man）首次於臺灣舉辦個展，透過一系列器物作品，承載他對未知宇宙的無限想像。
本次展覽的多數作品運用「勳燒」技法，回應他對宇宙之「光」的探索。在煙霧自由流動的過程中，作品表面留下如星雲與銀河般的痕跡，展現出宇宙的神秘與深邃。
安成萬的創作常結合高技術性的模具設計與機械設備，以精準的角度塑造每一件作品。而這次，他帶來了一個全新的宇宙——在煙塵與火焰的交織下，共譜出另一種即興之美。

“I have longed for the endless universe since I was a child.”
Korean artist Ahn Seong Man presents his first solo exhibition in Taiwan, where he explores the boundless imagination of the unknown universe through a series of vessel-like works.
Most of the works in this exhibition employ the “pit fire” technique, reflecting his exploration of light in the cosmos. As the smoke flows freely, it leaves behind traces reminiscent of nebulae and galaxies, capturing the mystery and vastness of the universe.
Ahn Seong Man’s creations often incorporate high-precision mold design and mechanical equipment, meticulously shaping each piece from every angle. This time, he brings forth an entirely new universe—one that emerges in an improvised symphony of smoke and fire.
展覽日期：2025.2/15 - 2025.3/9

Kim Mi Kyoung - 美作為包裝的功能
探討材質的功能與美感。重新詮釋了一次性塑膠容器，將這些原本承載特定功能的材料轉化為藝術物件，成為隱喻與存在反思的載體。剝離其原始用途後，這些容器獲得了新的意義，挑戰其原有的實用屬性。本系列探索了材料功能與外在形式之間的相互作用，並將其作為美學與哲學思考的載體。
Beauty as a packaged function
— Kim Mi Kyoung
In ceramics, functionality is traditionally reflected in its visual design and determined during production. However, I see ceramics as artistic objets with metaphorical meanings, not bound by their practical purpose.
The exhibition “Beauty as a Packaged Function” reimagines disposable plastic containers, originally created for functional use, by transforming them into ceramic objets. This process explores how utilitarian objects can gain new existential and metaphorical meanings through artistic reinterpretation.
The arrangement of the containers was carefully curated, reflecting my internal dialogue and exploring the interplay between material function and aesthetic form. Disposable plastic containers, typically transient and mass-produced, are recast in ceramics to transcend their fleeting nature and become sustainable objects of artistic value.
These works retain traits like simplicity and transparency while gaining warmth, depth, and complexity through their transformation. By imbuing plastic’s nihilistic essence with romantic elements, the pieces inspire life and freedom in my artistic practice.
 
器 四個藝術家的詮釋
展覽日期：2024.12/28 - 2025.1/19
Lee Jae won - 不同的前奏
 
這是一段正在進行的創作旅程。在辭去全職教職並離開故鄉後，我踏上了穿越多座城市的旅途，經歷了無數的邊界。2023年，我告別了密西根，這個我在美國中西部生活了25年的地方。
在2023年10月至11月，我與台南藝術大學的研究生們攜手創作，懷著初學者的心態「玩」陶土，但同時又以高度的認真對待這一過程。在過去的二十多年裡，我一直使用乾燥的皮革陶板創作簡單的雕塑形態，而如今，我開始探索濕石膏的陶板來製作器皿形狀，並運用盤條和捏塑技法，以更迅速的節奏進行創作。在2024年，這一探索將延續至韓國楊口，展開關於陶瓷器皿功能性的深入研究，這也是一段通往未知未來的「不同前奏」的探險。
在將小器皿和物件進行分組時，喬治·莫蘭迪（Giorgio Morandi）的靜物畫浮現於我的腦海。他的容器組合看似簡潔，但我相信他必定投入了大量時間，不斷調整物件的位置，以達到理想的構圖。我在工作中嘗試了各種不同的物件組合方式 —— 重疊、堆疊或並置，以創作出屬於我自己的靜物畫面，同時也向莫蘭迪致敬，感謝他的啟發。
A Different Prelude
— Lee Jae Won
This is work-in-progress. I have been floating around in several cities, crossing many thresholds after I left my full-time teaching position and home. In 2023, I left Michigan, the Midwest of the US, where I lived for 25 years.
In October-November, 2023 in Tainan, I worked amongst the graduate students at TNNUA, I took a beginner’s attitude to ”play“ in clay, but seriously. After using hand-rolled leather hard slab to make simple forms for my sculptural work over two decades, I started exploring soft, wet slab to make vessel forms as well as coil/pinch pots, much faster than a usual pace. I have continued that exploration in Yanggu, Korea in 2024. It has been a period of surveying functional aspect of ceramic vessels and also practicing with ‘a different prelude’ to unknown future.
When I was grouping small vessels and objects, Giorgio Morandi‘s still life paintings come to my mind. His composition of containers looks deceptively simple, yet I believe he must have spent much time shuffling the objects around to get the right placement. I try different combinations of objects overlapping, stacking, and placing next to each other in a variety of ways, looking for the medley of vessels to compose my own still life, while paying homage to Morandi for his inspiration.
 
器 四個藝術家的詮釋
展覽日期：2024.12/28 - 2025.1/19
S. Lantz - Words That Go Together Well
S. Lantz 的陶瓷作品以物質為起點，展開對感知、傳承與記憶的探討，在觀看與記憶中交織的模糊性、信任與錯誤。今次展覽中，她以陶瓷打造的工具，成為那些失落、被毀壞或難以具象化的個人與家族歷史之象徵。
Lantz 的作品都與個人和家族歷史息息相關。以陶土呈現的這些工具，思考記憶與祖先 —— 特別是在因離散與殖民暴力而造成的背景下，人的身體可能是最具體的家族傳承之物。賦予那些易被視為主觀的故事以物質性的永久性。在失落與斷裂之間，試圖讓觀者思考遺留之物的真實價值。
S. Lantz 是一位視覺藝術家，專注於陶瓷媒材的創作。目前是美國阿肯色大學的研究生，並自 2024 年 9 月起擔任臺南藝術大學陶瓷駐校藝術家。
I am thinking about perception and heirloom, and the opacity, trust, and error bound up in seeing and remembering. The ceramic tools in this exhibition are stand-ins for lost things, destroyed objects, or intangibles that relate to my personal and familial histories. Rendered in clay, these tools must take on uses unexpected of their counterparts. I understand these tools to be useful in considering memory and ancestry - specifically in the wake of diaspora and colonial violence, when one’s body may be their most tangible family heirloom.
I understand the work of making these handbuilt forms as gestures of respect. Some tools reference my great-grandmother’s machete and my first pair of glasses; others investigate the feeling of these remembered objects through the historical form of the “lover’s eye” or “eye miniatures”. These briefly popular pins, rings, or pendants featured miniature paintings of a loved one’s eye and were understood as wearable objects that had the agency to perceive, rather than solely being perceived. I am interested in multi-part forms and the connective tissues between them. Assembling these multiples feels like tending to memories, choosing to remember their past significance while offering permanence to stories otherwise deemed more subjective.
S. Lantz is a visual artist currently working in ceramics. They are a graduate student at the University of Arkansas and have been a Resident Visiting Artist in ceramics at Tainan National University of the Arts since September 2024.
展覽日期：2024.12/6 - 2024.12/22
Scott Meyer - Bottle Wall Assemblages
Scott Meyer在「井」陶瓷藝術中心為期三個月的駐地創作期間，Meyer 專注於兩個系列作品，其中之一為瓶形牆裝置。此系列以抽象的瓶子形態為核心，結合其周圍的結構語彙，既呼應窯爐的建構形式，也取材於他在埃及與希臘旅行中所見的破敗建築。
他的美學靈感來自 Peter Voulkos、Richard Diebenkorn、Stephen DeStaebler 和 Cy Twombly，以此視覺語彙在瓶形抽象與周圍結構之間展開對話。這些裝置在形式與內容之間建立起深層的連結，為觀眾提供豐富的詮釋空間。
本次有幸邀請Scott Meyer前來青青土氣展覽，並將於12/6下午2:00舉辦藝術家講座，歡迎所有對陶瓷藝術有興趣的朋友前來參與。
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Scott Meyer
在紐約市地區成長，六零年代時便接觸了 SOHO 藝術區的活力氛圍和博物館文化。取得賓州州立大學藝術教育博士學位後，他專注於陶藝創作，並擔任Montevallo大學陶瓷課程主任，至今已在該校藝術系任教39年。
Meyer 設計並建造了許多窯爐，包括Montevallo大學的 40 英尺「穴窯」。他的創作始終致力於為古老的燒製技術尋求當代應用。
此外，Meyer 是專業期刊《Ceramics Art and Perception》和《Ceramics Monthly》的常客，既撰寫文章，也作為報導主題。他還撰寫了關於 Richard Hirsch 的傳記 With Fire: A Life Between Chance and Design，講述了這位藝術家的生平與創作歷程。
他曾榮獲藝術學院與校友會頒發的卓越教學獎，並兩次獲得州藝術委員會的藝術創作卓越獎，還獲得了大學學者的終身榮譽稱號。他的作品在全美各地的博物館、藝術中心及大學展出，並於國際上進行個展，例如臺灣鶯歌陶瓷博物館。而他的作品日本金澤的大樋美術館、美國聖母大學藝術博物館收藏與私人收藏。
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展覽日期：2024.12/6 - 2024.12/24
逃逸與陶的產地
張卉君 
 
作家張卉君將於「青青土氣」首次展出習陶四年以來，其所創作、演繹、思索的陶藝作品。本次展覽延伸其甫出版散文作品《逃逸路線》章節，叩合「拙土成器」、「無有好醜」、「寄語日日」、「一坏山海」四個主題，對應創作之器皿；以物之姿態、釉色、形制，展現她向土學習以來的所思所想、哲辨與觸動，透過雙手與陶土的語彙傳遞出來，藉此跳脫於日常之規範，將Deleuze的「逃逸」概念實踐於「陶藝」之中。 無論是藉由書寫抑或手作，張卉君穿梭於不同的創作媒材之間，依隨「心」的所向所想，在各種裂縫之中尋找逃逸出常態的可能。對她而言，陶藝作為逃逸的隱喻，不僅在物質的向度上，開展各種精神性的體悟與辯證，亦隨著作品的完成，陪伴每個階段間漫長的等待與生成；這些超越成敗之外的細微心念與生命裡棒喝的禪意、智慧與哲思，不僅在陶作上顯影，也找到了文字的棲身之處。
 
張卉君
帶著山的基因，靈魂裡住著海洋。
期許自己能夠成為一道溫暖、清澈、堅定的洋流，如同黑潮。前半生因為偏執於文字得過一些獎，寫過幾本書，在NGO工作中打磨自己；近年沈浸於製陶的學習，透過創作與世界連結。
 
展覽日期：2024.11/16 - 12/1
台南 400 — 安平壺歷史的探討與再製
 
以安平壺回應「台南400」
400年後的此刻，我們在台南做著陶，並再次重製40個安平壺，期待能藉此討論一個器物與時代的關係。
 
安平壺
產地，廣泛的說法為出土於福建省閩北邵武四都窯。尺寸，10-30公分的器型皆存在，也有著不同的功能性，目前推論可能是火藥罐、漬物罐、藥壺、花瓶、礦物容器、酒壺等，但至今尚未定論。
1624年荷蘭人抵達台南安平，400年間，於台灣多處挖掘到安平壺，大多與西班牙、荷蘭或鄭氏勢力活動範圍有直接或間接的關聯，也以當時首善之地的臺南地區出上數量最多，其軍事要塞安平古堡出土較多。也因此命名為安平壺。
 
展覽日期：2024.10/26 - 11/10

Green Thumb  綠手指

Nat Nicholson

Nat Nicholson的作品概念源自於神經網絡、真菌的菌絲體結構以及自然界中的根系。今次展出「Green Thumb 綠手指」，指的是具有園藝技能的人，將不同卻相互補的元素結合一起，她將思想和生命力在物質形式中具象化，透過獨特的視覺語言將大腦景觀、靈魂和意識與自然現象緊密聯繫。

Distinct ceramic tendrils are inspired by neural networks, fungal mycelium, stabilizing roots in our topsoil, and certain organisms found on Earth. Layers turn to rhythms in the clay signifying energy. As compositions, they become tangible representations of elusive thoughts and life forces. The visual language bridges cerebral landscapes with natural ecosystems, merging ideas of consciousness and nature.

When the pieces break, they become opportunities for growth. New solutions create a sense of time, erosion or sprouting, and imbue the object with visual indications of both history and the capacity for evolution. At temperature, the stone and glass become hardened, capturing the chaos of many moments frozen in time. These different phases of growth, decay, and rebirth prompt contemplation on the trajectory of ideas and the enigmatic future of existence.

Green Thumb reflects the idea of nurturing growth, akin to cultivating a garden. The work, like a garden, consists of distinct yet complementary parts which all spring from the same well and soak in the same sunlight. The shared sources are clay, minerals, stout pigments, my hands, the histories of ceramic craft and contemporary use I look to for guidance, plentiful gut-wrenching instances of life, and long lasting Earthly beauty.


www.natnicholson.com

展覽日期：2024.12/28—2025.1/19

 

南倉 South Warehouse
Brian Molanphy 布萊恩 莫蘭菲
 
Brian Molanphy透過「茶」的文化來認識台灣，認識這座島嶼以及在島上流動的一切。相隔三年今次再前來青青展覽，他帶來48件茶具的創作，延續他所關注的事物的流動性、恆久性和歷史脈絡。在容器內與外及功能之中，找到獨特的詮釋。
South Warehouse at Chin Chin Gallery in Tainan, an exhibition of 48 tea wares, was made in Taipei and in Dallas. Taiwan’s landscape of steep mountains surrounded directly by ocean or intermediate zones of marsh or jungle is reflected in the fluid give and take, the release and retention, and the concentration and dissolution of Taiwan’s most celebrated products: semiconductors and tea. The information concentrated in their containers flows through very different forms, but both are ceramic: silicon wafers and teapots. The color palette broadened and intensified thanks to the 2023 Cloud Forest residency. Notable is the redoubled expanse of forms, all the while doubling down on attention to surface. Credit is due to the rich environments in Taiwan—including the splendid studio of Tang Runqing in the mountains of Miaoli—and the consistent current of artistic energy conducted back and forth across the Pacific Ocean between Taiwan and Texas.
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布萊恩莫藍菲 Brian Molanphy
畢業於科羅拉多學院，後於賓州州立大學取得碩士學位。擅長繪畫與陶瓷藝術，擁有法國塞夫爾國家陶瓷製造廠、蕭壠文化園區、國立臺南藝術大學、苗栗陶瓷博物館等豐富駐村創作經驗。曾任教於科羅拉多學院、賓州州立大學、亞伯達藝術設計學院，現於並美國南方衛理會大學美鐸藝術學院擔任副教授。
 
展覽日期：2024.6/12 - 7/14
 
明亮的風
潘家欣 Pan Chia Hsin
 
2024年，有幸參加青青舉辦的日本陶藝家吉岡正義的工作坊。
藝術家特別提到：希望大家在做陶的時候，要保持美好的心情，並且把美好的「運」放入作品之中。據說日本的木雕匠師，在開始雕刻作品之前，也會秉持「一刀一拜」的心情，每刻一刀，心 中就要敬拜一次神明。這兩者的出發點，無非都是對作品敬重，更是對自己、對他人的敬重。
自重重人，敬愛天地，這大概就是匠人的基本態度。而將美麗的心意確實傳遞出去，則是藝術家的天賦了。但在工作坊那天，我竟發現，此刻的自己，已經疲憊到無法呼喚美麗的心情了，對此感到非常震驚。之後每天都在思考這件事：為什麼，我會忘記藝術家的初心？並且開始在極繁忙的生活中，努力創造自己的魔法時刻 ── 也許散個步，喝個水，什麼也不想。
時逢初夏，阿勒勃花盛開，路邊一串一串的黃金花朵，隨風散發充滿木質調性的柔和香氣。我發現，風是如此明亮。這大概是今年首次感受到美麗的心情吧，於是訂定了展覽的名稱，就叫做「明亮的風」。展出作品多為茶碗，希望看到作品的人，也能感受到在器皿之中，無形流動的明亮之風，來自夏天的祝福。
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潘家欣，生於台南，藝術文字跨域工作者。
著有詩集《雜色》《珍珠帖》，散文集《玩物誌》等；喜歡茶碗，以及夏天明亮的風。「風或火焰，兩者都是不能久久長長捧握在手心的存在，只有陶土可以，創作陶藝使我能片刻掌握那些此生不可能握在手中的夢幻之物。希望也能分享給觀者，捧著茶碗，細細感受，此處曾經有火經過，此處吹拂著明亮的風。」
 
展覽日期：2024.6/1 - 6/10
Material first 2024 Taiwan – France – America
吉岡正義 Masayoshi Yoshioka
 
藝術家吉岡正義來自日本金澤市，他在那裡出生、學習製陶、成為專業陶藝家，他感謝土給予他的培養。他專研陶土、釉藥、燒成、以創新的方式詮釋傳統「九谷燒」的技術，並致力向國內外拓展日本的傳統工藝。
本次展覽吉岡正義展現傳統的九谷燒脈絡，濃重色彩、獨特的構圖、繪畫技巧與銘款等特色，並以他的個人觀點，再詮釋當代的可能性。
「世界の土」，是他從2012年開展的創作計畫，透過土與世界交流。四年前我們約定好的展覽延期至現在發生，而2024年他分享將與作品一起旅行，到台灣、法國、美國進行展覽，而台南青青土氣是他的第一站。
 
展覽日期：2024 . 5/8 – 5/19
Balancing Fossils and Fumes
Cäcilia Brown
 
奧地利藝術家Cäcilia Brown在台南一個月的駐村計畫與展覽。在今次「Balancing Fossils and Fumes」的展覽中，她使用材料的本身歷史、陶瓷材料的燒製與上釉的過程，以雕塑將其問題集結，共同討論當今社會生態與政治討戰。
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For the exhibition “Balancing Fossils and Fumes” she combines her questions about sculpture, the history of materials, the process of firing and glazing with an interest in ecological and political challenges to our societies today.
The material
Ash,Clay, Corals, Fossils, Fumes, Glazing, Wood
The wood - Hinoki and Taiwanese cypress- which is commonly used in old buildings in Tainan – is considered as endangered species today and worth protecting.
In the exhibition it appears in different qualities, in different shapes, some more elegant, some more sturdy- joined, as sculptures, pedestals and as a surface- burned in the firing process- smoking and glazing the ceramic pieces with its ashes.
Coral was also used for building walls and strolling through Tainan you can still find a building with corals as its ground floor walls- another material that is under protection now- or not considered as material- rather a species in danger of extinction.
Stones with fossils from a river in the Nantou region of Taiwan.
For the red ceramic sculpture she used a glaze capable of binding carbon oxide- the idea of binding fumes- fossils in another physical state in the glaze; or binding wood as colour or glaze on the surface of the ceramic pieces -is to archive these materials in a different matter.
Stacking objects is one of the simplest and probably first acts of creating a three -dimensional object- balancing one piece on top of the next- it plays with the basic qualities of sculpture-gravity, balance, weight, volume, surface- and tin this case fuses the moment of stacking, combining, joining by quoting the wood joints also visible in the exhibition. All the works were produced during the residency.
 

展覽日期：2024 . 3/30 – 5/5

 

物之再考 Reconsidered Things 
卓俞翔 Todd  / Tok yu xiang 
 
「物之再考」靈感來自於被丟棄、剩餘、失敗的作品，以及未完成的想法。那些藝術殘骸，採集自我到訪過的藝術機構、駐村中心、藝術家工作室，和我個人的垃圾桶。而這些被撿回來的物件就像在告密一樣，揭示了過去的活動與其和當下的關係 。
在創作過程中，我研究、使用並消耗著這些殘骸，進一步思考起藝術品被大量生產的情況。就像過度飲食會導致臃腫，藝術品是否也像這樣？競賽、博覽會、雙年展、各種展覽、以及獎助基金會的截止日期，讓藝術品變得像buffet一樣過度供應。作為藝術家，要如何在這些雜訊和期限裡，為自己的作品做出健全的決定？你看過那些因為消費過度而產生的剩餘嗎？實在是太多了。
生活在大城市裡，很少人有機會親眼目睹那些每天產出的大量廢棄物。儘管城市先進的管理系統，確保我們既不用看見垃圾山，也不用為此心煩。但在我置身校園和藝廊的工作經驗裡，我卻有機會可以去觀察到這些藝術殘骸的囤積與消匿。
其中，有項工作就是要確保這些藝術殘骸能被清空。在學校，每個學期結束後，所有未完成、不要的、失敗的作品，還有剩餘的材料都會被銷毀或丟棄。在藝廊，我們則會透過收納技巧和空間利用，去收整一些訂製展櫃和大型印刷品。但在這空間整頓的過程中，學生與藝術家們還會被期待要帶來新的產出與想法。這不是很徒勞嗎？而且，什麼才是新的產出與想法？
當處理藝術殘骸時，我扮演了拾荒者的角色，走入他人的敘事還到處翻找。我把拾獲的藝術殘骸轉化成餘料，讓我得以篡奪或揉雜它們的過往、持有人以及意義，並將其過度到我的藝術實踐裡。就算是損毀的物件，它仍然可以復活成我的另一件作品。到頭來，這些無名藝術品的價值，以及被再製的藝術殘骸，它們與藝術市場之間的關係又是什麼呢？
“Reconsidered Things”, derived from the abundance of discards, off-cuts, failed items, unfinished ideas. Art detritus that were collected intermittently from various art institutions residency programs I had attended, visits to artists’ studios and picked from my own waste bucket. These recovered items served as a tattle-tale revealing past activity and its relationship to the present.
In the process, I study, exploit, exhaust the collected art detritus in order to reconsider the conditions and situation under the mass-production of art. Consuming excessively indefinitely leads to obesity. How obese is the arts now? In my opinion it had turned into an all you can eat buffet of competitions, art fairs, biennales, exhibitions, arts funding deadlines happening concurrently. Can you as an artist exercise a healthy selection in order to navigate amongst the cacophony and deadlines? Too much is really too much.2 Have you seen the amount of shit left behind after all that was consumed?
Not many of us city dwellers would have the opportunity to witness the monstrosity of waste produced on the day to day basis. Our efficient cities’ pipes and system made sure you do not need to see nor worry about it. But throughout my working experience in schools and a gallery, I was given an opportunity to observe the accumulation and disappearance of art detritus
One of the job requirements was to make sure these art detritus disappear. In schools, after every academic semesters all unfinished/unwanted/failed artworks and left-over materials were to be dumped or put away. In the gallery, magical skills and innovative usage of spaces had to be activated to move and store all bulky wanted printed materials, especially customised pedestals. All in order to refresh the spaces for the production and presentation of something new, to be expected from students and artists. A Sisyphean task don’t you think? But what is new?
Amidst handling the art detritus, I assumed the role of the ragpicker, rummaging through and sticking my foot into someone else’s. Converting the detritus found into surplus material, where I could usurp or incorporate the detritus’ past, owners, meanings into my art practice. Even when broken or the damaged could be returned or revived into another artwork of mine. What then would be the value of these artworks produced unsigned, and manipulated from the detritus of others in relationship to this so-called art market?
展期：2024 . 2/28 - 3/24
 
chin chin cup show 2024
 
「每個杯子傳遞的祝福。」
 
五年前，我們從鼠杯秀開始了第一年杯子展，經歷牛、虎、兔，到今年龍年，我們希望在新年，用杯子與大家相聚，象徵一年新的開始，每個用心創作的杯子，能夠傳遞一整年的祝福。
今天我們邀請到14位創作者，超過100件杯子，有新的、也有許多大家熟悉的創作者齊聚，年節期間你可以來感受他們的故事；也可以來觸摸它們的質地，陪伴你展開新的一年。
 
Dragon cup show
展期：2024.2/12 - 2/25
 
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創作者介紹 Artist
利庭芳 、唐瑄、林怡慧 、童品元、陳憲則、鄭以安、楊雅晴、簡停雲、小澤草苗、Daisy Toh、Woojung Koh 、Junho Yun、Hyerim Kwon、Soeun Park
 
糾纏 Entanglement
 
朴炤垠So Eun Park 創作個展
 
藝術家朴炤垠So Eun Park來自韓國，在台灣生活四年之久，從不同的文化差異與自我內在之中探尋，透過創作提出對於美、對於女性標準的質疑。
「 在我成長的韓國社會中，頭髮總是被期望保持乾淨，有光澤且整潔的狀態。將頭髮牢牢地束在一起，一根頭髮都不能掉，紮得緊緊的，又痛又不舒服。雖然我從未表達過想要留長頭髮的念頭，但就像是約定一般，同齡的女孩都留著長髮。而這種潛在的控制，在文字中也可以找到。
在漢字中，妻子的「妻」意味著「我能摸到頭髮的女性」。此外，「妥」字描繪了用手緊抓女性頭髮的形狀，這意味著要使女性服從。為了使家庭和平，就必須使女性妥協。這種態度被擴大後，之後「妥」字的意思逐漸變為「合適」的意思。然而，既然能觸摸到你的頭髮，當然也能緊抓住你的頭髮。
頭髮、陶瓷和女性的身體在歷史上長期以來都受到嚴格的框架束縛，有著固定的美的標準，這些標準被視為美麗和優越的價值，例如:沒有雜毛的完美髮型、一塵不染的陶瓷、白皙且苗條的女性身體，都是符合這些標準的例子。」 ＿ So Eun Park
 
展期：2024.1/26 – 2/6
 
二 -two-
 
小出直毅、戸矢万葉 創作展
 
今次展覽是日本藝術家小出直毅與戸矢万葉雙人聯展，是他們前來台南藝術大學駐村兩個月時間的作品呈現。小出直毅創造了自己的守護犬與它世界裡的神話角色們；戸矢万葉在土、沙、石頭不同質感之中探索時間的痕跡。
 
Two ... people to people, things to people, countries to countries, etc. I think that the relationships and various communications that are affected create changes between and neutral. Also, the Japanese word “Futatsu to nai” (no two ways about it) means that there is no substitute.
Japanese artists having different backgrounds meet again in Taiwan.
Naoki Koide employs materials such as ceramics to transform otherworldly entities like cloud monsters and skulls, as well as depictions of himself and his family, into artistic creations. In this particular instance, he has crafted his own version of the traditional Japanese guardian symbols, "Komainu," which are a pair of guardian lions or dogs typically found at the entrance of shrines. The theme merges Japanese and Taiwanese styles, showcasing Koide's fusion of influences as he creates a pair of Komainu to symbolize the guardians of a temple.
Maha Toya, on the other hand, has made presentations mainly on solids, drawings, and performances using materials such as soil and sand. she has been working on the creation of materials that can last for thousands or tens of thousands of years if they are fired through the material as the "art of leaving traces of time.”
I hope you will feel "two" through this exhibition.
 
 
展覽日期： 2024.1/19-1/24
 

湲 wave

 

本次邀請到八位韓國藝術家，以wave回應當代的現象，透過本次展出作品呈現其中。

青青土氣長期經營國際交流，與多國藝術家透過陶瓷媒材產生更多對話與文化交流，本次透過展覽機會，四位藝術家第一次來到台南，一起認識這個城市，也透過他們的視野，一起探索更多可能。

 

展出作家 Artist

Chang Wan / Park Sunwou / Moon Dawoon

Yang Haebeen / Jeon Sangmin / Chae Minwoo

Seo Jinhyeok / Jin Yeji

 

展覽日期｜2023.12/29 – 2024.1/17

柴燒器物展  about flame
 
柴燒展現了一種有機的的意義，它並不遵循一個預設的規劃，而是捕捉於一種線痕的擴展。它的美感源自於生命力的堆疊，和流竄的形式本身，正因為火焰和那道絕不先於它的蹤跡緊密相連，柴燒進一步成為了它自己。
2023年末，希望以燒窯將大家聚攏在一起。透過討論柴燒、討論火、討論裂痕，讓一年的收結，有更多生命裡流竄的線條。
 
展出作者：黃仁成、卓俞翔、吳孟哲
 
展覽日期｜2023. 12/8-12/26
揉陶擬態：考古、燭火與地景
The mimicry of ceramics: archaeology, candlelight and landscape
陶啟安、羅縉壕、莫鎧靖 聯展
Group exhibition of To Kai On Benny, Vincent Law and Silvester Mok
 
高穎琳 策展
Curated by Kobe Ko
 
 
「擬態」在生物學裡指的是一個物種在演化的過程中，獲得與另一種物種相似的特徵，以便自身模擬偽裝成另一物種或環境中景物的樣子。展覽以此比喻三位來自香港的陶瓷藝術家的創作。
陶啟安以假想考古學方式，創作虛構的古代器物，重新想像歷史丶宗教與流行文化的關係。陶氏倒模現成的塑膠玩具，再運用傳統的陶藝技法，以陶瓷——在古代用以製作儀禮重器，具歷史證物意味的媒介，重新覆述現代工業大量生產的造型。在這次聯展，陶氏除了倒模炻器，亦會展出以不明飛行物體作為靈感的器物。
羅縉壕以輪製拉坯作為創作主導，享受製作過程中無意識的重複性，同時探索傳統工藝與藝術的關係，羅氏的創作重心逐漸由餐桌食器轉移至居家器物。今年的燈具系列靈感來自藝術家的個人習慣，睡房中總會點亮着昏暗的燭火，然而溶蠟不好處理，於是就創作了夜燈，模擬暗室中的燭火。本次，羅氏刻意製作更大和更光亮的燈具，探索從燭火至明燈之間，燈光所帶給空間的感覺和張力。
莫鎧靖以3D打印技術製作陶瓷作品。相對於傳統拉坯，3D打印的陶泥由噴嘴中精確地降落至座標上，以數位的方式成形為陶器，在機器的絕對精準與易變可塑的陶泥之間帶著極大的對比。是次展覽，莫氏以台南的獨特地景為靈感，取材於台南的彩疊山、大地谷及鹽田，利用自然環境的視覺元素，例如山脊線，創作了全新的系列作品，將科技與自然以陶土重新連結。
陶啟安以動畫作品為靈感，結合出土文物的元素，創作出獨特的未來考古美學；羅縉壕揣摩燈具的明滅光暗，呈現室中明暗所帶來的氛圍；莫鎧靖借用台南在地特色，將浩瀚的自然景觀重製成掌中風景。三位藝術家以考古、燭火及地景，揉陶擬態，創作出三種截然不同的陶藝景色。
 
 
展覽日期｜2023.11/8 – 12/3
 
 
 
內在小孩
 
黃思綺、MOCCA HSIAO 雙人聯展
 
中年，情緒的不安焦慮，如有一個小孩在擾動，驅動著我們在創作中找尋平靜，用陶土安放自我，將一個個內在小孩捏塑成型。 兩個六年級生，一起學陶，在陶土找到共鳴，決定一起辦展。以內在情緒出發，捏塑成童稚的造型，不上釉藥的方式維持土的質樸觸感，以期能觸碰最初的自我。
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今次展出兩位創作者黃思綺、MOCCA HSIAO 的聯展，以土塑記錄著此刻他們的生命狀態。
黃思綺
六年級生，熱愛電影、畫畫和寫作，舉辦過多次個人畫展。接觸到陶土後，愛上土的質感，捏陶成為日常，開始平面、立體、半立體（浮雕）並行。期待在創作中找到心靈平靜。
Mocca Hsiao
六年級生，原只是藝術愛好者，偶然機會踏入陶塑的世界，創作幾乎變成日常。期許在每一次的捏塑中，以最簡單的直覺發現不一樣的自己，讓心靈得到最大自由。
 
展覽日期｜2023.10/11 – 10/29
我仍然還沒想好
 
林佩虹、洪湛筑、林心瑩、周易伯、吳昕恬 五人聯展
 
 
本次展出為五位藝術家為研究所同班同學 —— 展覽名稱與班上 LINE 群組同名，創立群組時一時沒有靈感暫以《我還沒有想好》為名，後來改為《我仍然還沒想好》沿用至今，已邁入第六年。畢業後的我們在陶瓷創作這條路上，或許還有些茫然與未知，處於仍然還沒有想好的狀態，但很想藉此機會向觀者展現這個階段我們作品的模樣。這個聯展作為我們不再於同個工作室一起創作、緊密生活後的初次創作聚首，彷若同學會或出社會新生評圖，想與大家分享我們的「已經」與「還沒有」。
 
 
展覽日期｜2023.9/8 – 10/8
 
柳浩植 - 游泳
 
Ryu Ho Sik - swimming
 
 
有足夠的時間充滿希望。
 
There is plenty of time for hope.
When I walk down the street, I sometimes get caught up in the scenery. From then on, I stand still to feel the moment, and take a photograph.
Once I am home, I look at the photograph that I took before and make a sketch of that moment. After that, I repeat making sketches three to four times without looking at the photograph. Then a whole new landscape appears, yet real.
Is this a drawing drawn through my eyes? Or is it a drawing drawn through my heart? The answer doesn't matter.
The important part is that I can have my imagination upon the world that I will see next time. I dream about the scenery of tomorrow.
My work is about what was under the darkness can become precious. At the bottom of it lies the fear of death. Sometimes it's as heavy as the depth of the shadow.
I couldn't love anything, and I wished I hadn't been born.
Because the great love creates unbearable pain as big as it is.
Tears and cold sweat came out while everyone was asleep, but sometimes joy rose from the bottom of my heart.
With the positivity of the beautiful nature, such as the vast sky, endless light and free clouds, trees swaying in the sun, and gently breaking waves, my dark shadows faded away and replaced the shadow under the trees.
I now love more than before, and I record my precious moments of life forever using ceramics.
Today that comes every day, I hope for tomorrow with happiness.
 
 
展覽日期｜2023.8/11 – 9/3
 
 
Still – life  On  The dining table
靜物畫
 
Myung Rye Kim金明禮
Kyunglan Yeo 呂慶藍
Jisoo Shim 沈志修
_ 韓國陶藝家聯展
 
 
Myung Rye Kim金明禮，喜愛單純而自然景緻，創作元素來自鳥群、樹、岩石等意象，將其風景轉化於陶瓷創作之中。金明禮韓國首爾創辦「gong.gamdo 自然共感陶」空間，帶領著許多工藝創作者，探索生活更多可能。
Kyunglan Yeo 呂慶藍，擅於繪畫與圖像設計，插畫表現有著強烈的個人風格，將她生活所即的畫面，轉化成陶瓷青花釉下彩方式製成，以陶瓷物件陪伴生活。
Jisoo Shim 沈志修，器物製成使用手拉胚、每一件手工刻畫與點綴，以細膩潔淨的線條施以青瓷與青花釉，在傳統與現代之中找尋新的詮釋。
 
 
展覽日期｜2023.7/15 – 8/6
 
 
侯小圓 － 土的語言
The language of the soil
 
土，象徵踏實，帶來安全感和穩定，陶土讓流動的心安定了，存在的真實意義不言而喻。
 
<土的語言> 隱喻內心和環境之間的關係，在充滿矛盾的生命形式中， 覺察與自然融合是既定的命運，有一定的情感連結，慢慢將自身處境 重新排列組合，揭開新的生活和希望，也開啟了與土地共生的想像空間。
 
<土的語言>紀錄人與自然的故事，在一種和諧狀態，以陶土表述深根 在地的創作語言，善用大地元素，描繪出貼近自然質感的泥畫語彙， 將內在感受及思維脈絡以土的語言進行深入對話。
 
展覽日期｜2023.6/16 - 7/9

 

the scent of texture
 
Kim Kyu tae  金奎泰
Kim Sang Man 金相萬
Jeon Sang Woo 田詳佑
_ 韓國陶藝家聯展
 
 
Kim Kyu tae（金奎泰）作品以多銅紅釉色做為主軸，釉色本身有著濃烈對比色彩，而金奎泰老師帶著充滿童趣且浪漫的靈魂，呈現出獨特的作品氣質。
Kim Sang Man（金相萬）作品以韓國傳統技術「粉青沙器」為基礎，將日常風景描繪其中，金相萬老師的工作室以淡淡（damdam ）命名，如同他的生活方式，而他的器皿簡單樸質卻深深吸引人。
Jeon Sang Woo（田詳佑）器物以精緻鈷藍搭配瓷白的印象，手工擠泥線條的層次感，並以水染鈷藍填色，田詳佑老師風格極為細膩，並展現極高的工藝技巧。
 
 
展覽日期｜5/20 - 6/11
 
 
Craft  goes  on
 
崔成在、李正鏞、黃仁成、金廷雨、鄭有那、尹申、金兪眞、權惠琳
＿ 韓國陶藝家聯展
 
 
本次邀請到韓國傳統文化大學（Korea National University of Cultural Heritage）的師生們展出系列創作，看見他們在傳統的技術脈絡下，持續疊加新的當代工藝語彙。
 
 
- 韓國當代工藝 -
在韓國藝術家作品中都能看見
北國的潔淨色彩、俐落的線條
在傳統工藝中繼續發展的脈絡
 
 
展覽日期｜2023.5/5 - 5/17
 
 
邵慈 – 你今天是誰？
Shau Tzu - Who are you today?
 
 
每天每天，我們都在不同的角色中轉換。
早上是上班族，晚上是調酒師；禮拜一是美術館志工，禮拜六是牛排館服務生，也有可能，今天是交通錐，明天是烤麻糬。
所以，你今天是誰？
＿
本次展覽延續以往以人為出發點的創作主軸，跳脫人只能是人的基本框架。假定靈魂可以隨意抽離的情況下，每日遊走在各式不同的角色裡。試圖
從角色的角度出發來提出對人生的見解，營造出看似是同一人卻又不盡相同的錯覺。
 
 
展覽日期｜2023.4/15 - 5/2
the chin chin gathering
- Blooming
 
歷經過去一年的年度課程，在每月不同主題的學習下，日復一日、週復一週，透過不斷的練習「創造」，隨著時間，逐漸長出自己的模樣。
我們觀看著每一位前來習陶的朋友，因著不同生命故事、專業養成、以及與對世界理解的角度，開起了多視角的細微討論，一起探索材質、一起保持對生活的熱情、並且樂在其中，正是我們相互影響的關鍵。
歡迎大家於展出期間，一起來看看有趣的作品，聽他們說著有趣的故事。
 
 
展出者：吳青諭、簡停雲、周俐彣、張瑜娟、壁如、李拉、邱心柔、林羿宏、李綺璇、王又正、t3
 
展覽日期｜2023.3/31 - 4/9
梁瀚云  Liang Han Yun 
Undertones of the Earth
 
Plants are taking the notations of earth,
Recording, producing,
fading away and regenerating,
again and again,
and again and again.
Memories of the human tribe,
of his and her and their stories,
saved in each little cell,
in the shape of leaf, flower, or seed
whispering in the breeze,
rain drop or twilight.
Mirrors the lives beneath and beyond,
from the land of earth.
 
展覽日期｜2023.3/4-3/26
大 地 細 語
 
植物是大地的記譜，
記錄、生育、
消逝、再生、
一次又一次、
一次又一次
人類的記憶、
關於他、她與他們的故事，
都存在每個小細胞中，
在葉子、在花、在種籽裡，
在微風的低語，
在雨中，在薄暮裡。
之上、之下，
大地鏡像了她所承接的生命們。
 
 
 
張清淵 – 自家用
Chang Ching Yuan - Pots for potters
 
 
五年前，張清淵老師在青青土氣展出了《自家用》的系列器物，當時我們在作品中看見張老師與不同地區、氣候、土質、工作室、藝術家的互動與對話。那時候的世界，不需要與口罩為伍，不需要居家隔離，任何人訂好機票都能往外飛，在不同地方探索創造的可能。
 
五年後，張老師將再次於青青土氣展出《自家用》的系列器物。展覽承襲了同樣的名稱，不同的是，今次的作品，不再是源自世界各地的落腳處，而是在疫情間必須長時間自處的家屋。疫情作為歷史事件，無法在任何人的年表間留白，今次的作品，我們將看見張老師如何順應生活的變動，並在原先《自家用》的思想基礎上，帶來新的詮釋。
 
展覽日期 ｜ 2023 . 2/11 - 2/28
 
 
2023 chin chin cup show 
 
每逢新年，我們將舉辦杯子聯展
希望讓創作者的作品齊聚在一起
杯是日常最常使用的器物
透過杯子傳遞溫暖與理念
一起在兔年，有個嶄新與溫柔的開始。
 
展覽日期｜2023.1/17 - 2/5
Ian Johnston
 
Surfacing
 
於國立臺南藝術大學駐校期間以陶瓷與蠟凝素（Cera Colla）等媒材進行創作研究。
加拿大藝術家強斯頓（Johnston）延續「重塑消費」計畫中的概念於本次展覽「表象」計畫中，他不再使用真空塑形技法，而是將濕土板自然掉落在水蝕石上成形。作品以堆疊蠟凝素塗層的方式裝飾，最多覆蓋至25層。蠟凝素是一種以酪蛋白（casein）為主的塗料，可以追溯到亞歷山大大帝、拜占庭與中世紀時期的發展。強斯頓於南藝大駐校期間，嘗試以混蜂蠟、氨與起司等製作出作品的塗料。由於塗料配方無法使用一般市售的牛乳，強斯頓最後在當地取得鮮乳並在工作室製作起司，再加入壓克力顏料調色。
他藉由塗層材料與包覆技術的選擇來強調自然力量對於表象與歷史的隱藏及揭示的作用，就如同輕快游弋的魚將河床中的沖積層埋藏或揭露。彩繪方式以塗層堆疊為主，一般需上到3至4層的才能讓色彩飽和，每個有色塗層之間則以白色塗層間隔，最後透過刻劃與磨擦表面的減法方式，將隱藏於下方的色彩揭露出來。強斯頓為了將時間與過程消逝的概念帶入作品，故捨棄釉藥而改選擇蠟凝素（Cera Colla）作為彩繪原料，此塗層表面具有一種類皮膚質感，藉以增加作品的有機感。
伊恩．強斯頓定居於加拿大英屬哥倫比亞省（British Columbia）的納爾遜市（Nelson），此地同時也是西尼克特民族（Sinixt people）未放棄的傳統領域。他擁有德國、猶太、蘇格蘭與英國血統，畢業於渥太華的亞崗昆學院（Algonquin College）與卡爾頓大學（Carleton University）。強斯頓也曾在德國柏林圍牆倒後於德紹的包浩斯學院工作過5年。強斯頓的創作主要透過現地雕塑與影像裝置表達各種消費如何充斥於我們生活之中，探索商品的循環，試圖說明人與物之間的關係，最終界定社會結構。他的創作反應廣泛的消費主義與隨後廢棄物產生的議題。
 
 
更多介紹藝術家介紹：
 
 
展覽日期｜2022.12/31-2023.1/15
 
 
So Eun Park＆Bia Furtado
 
Cavity 
 
本次由韓國藝術家So Eun Park與美國藝術家Bia Furtado共同展出，“Cavity”意指過多的糖導致的蛀牙現象。兩位藝術家透過不同文化背景的角色，共同探討女性、審美、消費慾望等現今狀態，一起在她們的柔軟與甜甜的視覺中，感受他們帶來的力量。
 
As the title of the show indicates, ‘Cavity’ is an exhibit that seeks to explore the visual qualities of sweetness in clay as well as to engage with the more obscure effects of this sugary narrative. Although both artists dissect the theme in similar conceptual levels, each pursues and interprets it in their own way.
For So Eun Park, the visual softness and sweetness offered by the clay and glazes create a stark contrast with the material hardness of ceramics which renders inaccessible the actual digestion of the represented sweetness. Through this contradiction Park questions the role of beauty and desire as it relates to issues of gender roles. What does beauty signify for women in our society seeing that this category has historically been employed as a means to trap bodies into an objectifying otherness? As such, one only gains value through the approving gaze of a subject. Park uses mirrors and lamps to reflect on how these values of desire and objectification work within contemporary society.
For Bia Furtado,"Cavity” speaks to the consumerist economics of desire and its necessary conclusion to the erosion and decay which surrounds contemporary socio-political structures. Furtado uses items of consumption - handbags and shoes Furthermore, by incorporating diverse elements of fairy tale symbology into her work, she seeks to explore the role of “enchantment” within our current system of ideologies - and reflects on how it may function both as narrative of oppression but also as a subversive tool of creative change.
 
展覽日期 ｜2022. 12/9 - 12/28
 
 
 
 
李欣諭 Li Hsing Yu
 
 
屋園內 The Rest
 
 
 
載物與載體、室內擺件與建築裝飾，種種關注源於自身過去私人空間的匱乏，並逐步變化為對傳統價值的反動。我必須以第三者的觀點重新排列組合，一是反映心理，一是練習居家感受。
這些物件的誕生源於家父的盆栽種植，以及其對於東方的文化品味；而在台南生活的十年經驗，也讓我對傳統石灰洗視覺效果產生濃厚興趣。本次展覽藉由這些不同經驗進行遙想，繼續探索、想像空間內擺件與建築內部裝飾元件的可能性。
 
 
 
展覽日期 ｜2022. 11/4 - 12/4
 
 
 
 
 
 
王幸玉 Wang Shing Yu
 
 
覓seek
生命裡的精彩像極了濃縮的花園景緻，短暫的美麗只存在於花開花謝之間，徒留把握不住的遺憾，尋覓留住當下的方式，堆疊累積出時間的軌跡，複製美好印象的再現。
 
 
展覽日期 ｜2022. 9/17 – 10/16
洪禎鞠 HONG JEN JIU
 
Everything is suspended.
懸著的_____________。
 
 
「這是最好的時代，也是最壞的時代；這是智慧的時代，也是愚蠢的時代；這是信仰的時代，也是懷疑的時代；這是光明的季節，也是黑暗的季節；這是希望的春天，也是絕望的冬天；我們什麼都有，也一無所有；人們正在直登天堂，人們也在直下地獄 ......」─ 狄更斯 《雙城記》
 
全球性的疫情讓生活的方方面面都受到影響，人們的計畫及生活型態因應而改變,許多事懸而未定，甚至被迫取消，延／遲的狀態所產生的焦慮不安，對於未知的恐懼造成人與人之間的隔閡與孤獨，對未來的不確定感強烈襲來。
 
外在氛圍的混亂引領人們回歸觀照內心，一體兩面的事件從而反思自身與社會、世界的關係，亂世下的我們或許能夠嘗試調整前進的方向。
柔軟的陶土經過高溫燒結後呈現堅硬的狀態，這個過程好似無形卻有彈性的靈魂經過時間的洗禮成為不同的昇華。
 
「Everything is suspended. 懸著的_____________。」藉由陶瓷及複合媒材材質特性去形塑、包覆、堆疊、懸掛，傳達暫停行進的懸浮狀態下反觀自己對於存在的想法，呼應當前世界氛圍也投射自身內在。
 
展覽日期 ｜2022. 8/5 – 9/4
 
龍凱特 - 蟄伏
 
本次展出「蟄伏」系列作品，藝術家以自身女性視角，概念衍生自刺繡和基督教信仰，展現兩者間行為與觀念間的詼諧對話，無論在黑色或紅色呈現出的強烈感，或被白色扭曲，亦或被白色包覆；而美的詮釋支撐了這兩者的形式與象徵。
作品之中土是主要的媒材，給人既脆弱又冰冷的觀感，然而因結合其他材料如細線、蠟和木頭，以刺繡等手法、將不同的材質相互牽制支撐 ; 細線增加了觸感、蠟則喚起了溫暖、木材則賦予了原始特性。
_
Kate Strachan - Subversive Preservation
 
『 Notions and ideas relating to embroidery, Christianity, and conservation, with a play on the cheekiness.There is a change in atmosphere that color brings. Temperatures of black and red are either warped or aided by white.Hidden in between the pieces covers the stage on which beauty backs the naughty forms and symbolisms. 』 ＿ Kate Strachan
 
Clay is the main material with its sense of fragility and coldness; however, incorporation of other materials such as thread, wax and wood gives support to the clay in different ways. Thread for adding a sense of tactility, wax for invoking warmth and wood for giving primitiveness.
 
展覽日期｜2022 . 7/3-7/31
 
 
KIKI LEE - Flowing
 
在KiKi Lee的作品中 感受到它的律動
除了在柴窯之中，火與灰的高速流竄
在土的柔軟線條與剛硬切角之中跳耀
 
我是個自由的舞者，
而器物是我的載體。
 
本次展出日常所使用的器物：咖啡杯、茶碗、茶壺，與漆器作品。對我來說，喝咖啡、喝茶沒有過多的儀式感，僅是日常使用時感到滿足。
 
展覽日期｜2022. 5/14 – 6/12
 
 

王鴻川 Ong Hong Chuan x 林怡慧 Lin Yi Huei

名為《Ｘ》的馬戲團
 
各位先生、各位女士，歡迎來到Ｘ馬戲團
Ｘ馬戲團並沒有一個確切的成立時間
就是大家自然而然地匯集到了一起
在某些特定區域表演，從來沒有人知道團長是誰
這些團員從何而來，又是為何出現在此地
但是不需要擔心，。在這裡你將會看到最精彩的演出、
最奇特怪異的生物、以及被世界遺落的我們
各自演繹著自己的故事保證讓你瞠目結舌回味無窮
若你覺得這些都太過瘋狂，不需要想太多拍手就好
 
展覽日期｜2022 . 4/8- 5/8
 
 
t3pots
agave/caudex/t3pots
 
t3的盆器曲線比例、胚體厚薄、刻痕表現、釉色掌握之中，尋找他獨特的風格與美感，出窯後將合適的植物住入盆中，形成一件件奇特的雕塑。
本次青青有幸邀請t3展出他製作的盆器與收藏的植物。
 
＿
關於t3
幼稚園開始學畫習陶，考上美術班不去，大學唸了動物科學，工作還去養了五年豬，為了種植物的興趣重拾玩土的生活。盆是我創作的一半，住進裡面的植物是作品完成的另一半。
 
展覽日期｜2022 . 3/4 - 3/27
 
胡慧琴、陳峙傑、楊青雯 三人聯展
 
「 關於胡慧琴作品 - 時間的霉系列 」
任何生物乃至於人類本身，自以為停止了時間，而當生命在大地之中消失時，時間在生物表面上展示出流動的脈絡。時間換置成各式美麗多彩的表面樣態，物與物之間的狀態，顯現出生命與記憶綿延茂盛的成長，姿態婀娜的攀附在虛無之中。
_
「 關於陳峙傑作品- 平面的想像 」
透過作品的內容與觀看的過程，觀者的視覺與觸覺兩種知覺的交互微調與延伸，是自己在創作的概念上與生活中所關注的部份，在此次的創作思考，提出一些階段性的呈現。此次創作以浮雕泥塑的方式來塑造我們日常所見的畫作圖像或物件，以所觀看的平面為作品空間的延伸基點，以泥塑過程中的質感與觸感來形構作品內容於空間中的量感與樣態，作品所呈現的空間與觀看狀態，介於平面繪畫與立體空間之間的相互延伸、平面的鏡像觀看與空間場域的延伸對應，或是觀看日常物件的行為慣性而牽引的觸覺性的連動想像。
_
「 關於楊青雯作品 - 獨白系列 」
獨處的時間，先感覺某些再思考某些，一直是我創作的時刻，但是生活中多了幾個角色之後，創作時刻有些轉變了，所以這次的創作主要是在思索關於創作者的獨處狀態和樣貌，也就是試著在顯現我在創作時當下的感覺，試著在映現我在創作時當下的思緒。
 
展覽日期 ｜2022 . 1/5 – 1/30
 
 
蘇淑美 Su Shu mei – 是，不是
 
 
科學家稱，人體有一半以上的細胞非屬於人類，則是由非人類的微生物細胞群組成，無論你每天清潔多麼徹底，身體的每個角落到處被微生物所覆蓋，假設能放大數千倍數萬倍的眼鏡來觀看人體，你的身體不只是你自己。
今次展出以限地裝置的方式，將線性發展的系列作品重新與此空間進行編織對話。透過創作，不停地在生命中的脆弱與剛硬之間行走，並試圖找到一個出口。
 
｜歡迎現場觀感，感受被包覆的感覺｜
 
 
展覽日期｜2021 . 12/4 – 12/26
 
 
 
林其勻 KIMKIM LIN – resettle
 
 
在創作者童年記憶中的院子有著不同姿態的樹木，櫻花樹、松樹、茶花、鐵樹等相互共存著，回想起爸爸親手做的一支木製湯匙，是用舊家庭院中的已逝的龍柏木材製成，今次的展出作品是由那把木製湯匙展開一系列的花園旅行。
2021 「resettle」移植系列，是觀察現處於市巷弄中，每戶人都種植了一盆盆的植物。創作者透過植物移植到盆栽的過程、在有限的生活空間中，表達對於某段時光的擁有。
 
 
展覽日期 | 2021 . 10/3-10/31
 
 
 

楊岳霖  Yueh - Lin Yang - 物我尋蹤

 

「 物我尋蹤 」系列為自身追求對於生命本質的情感表現，從模擬植物根部疏密與延展的纏繞做為此系列創作的開端，以陶土的線性纏繞的過程中，來探尋個人情感的轉折變化，嘗試與流動中的玻璃進行結合，停留在一個瞬間，呈現物我合一之關係，同時傳達現代生活中人與人之間的互動與影響的重要性，在自身與創作之間，尋找更多的可能性。

 

 

展覽日期｜2021 . 7/3 - 8/31 

 

張寧恩  Leanne Chang - 時空佚境  roaming 
 
 

這是一趟逃離現實進入異次元空間，再透過土捏塑示現的漫遊之旅。 如同夢境般在真實與虛構之間進出，泡泡狀的幻想相互碰撞、生成，將電腦數位符碼複沓的節奏顯影於作品之中，衍生、軌跡的殘影、結晶，開創一條無邊界的逃逸路線。

 

展覽日期｜2021 . 6/14 - 6/30

 

 

 

Brian Molanphy - beaker, bottle, box
 
 
「燒杯、瓶子、盒子」(2021) 系列作品，透過「內與外」空間的形象，表達訊息被承載的三種流動現象：引進、流逝、留離交替的過渡狀態，試圖在內、外之間尋找第三重空間的意涵。
此系列物件皆以此三元素為核心意象，藉由三種器型、三種樣式、三種陶土、和三種燒成形式傳達，而其中每件都繪有六種漩渦圖騰。
此外，曾多次拜訪沃斯堡現代美術館，本系列作品的意象服飾、陶罐、細頸瓶，即源自布羅·厄特-藥櫃的展覽，以及來自皮埃爾·亞歷欽斯基、金憲鋯、和伊莉莎白·默里作品中的概念；圖騰上藍白相間的漩渦紋路則源於「一件掛軸的十種觀點」(2020) 和「激流涵洞」（2020）。
 
 
展覽日期 | 2021 . 5/4 – 5/30
 
 
 

彭馨瑩 -  靈魂之器 The container of soul

 

透過靈魂之器系列作品，呈現我對生死的體悟，與觀者一同思索在動與靜之間，探討生命核心的本質。從土「既能溶於水，亦經得起火煉」的特質中，感受人生際遇時刻流轉的瞬變，乍看之下形象萬千，靜觀而見其本質不變。

 
作品象徵靈魂載體，順應著風的吹拂在水上飄動，也因人穿梭攪動的氣流而位移，在時間的刻度之中，隨著光的節奏而展現了不同的表情，物件之間互相碰撞有時亦產生意外的共鳴：靜中有動，動中有靜，觀者是否能在此動中感受到平靜？抑或自己的心才是此靜中最大的動？
身體，如同靈魂的容器，承裝著生命的各種樣態，詮釋此刻的領略。
 
 
展覽日期 | 2020 . 4/3 – 5/2
 
 
 
李昀珊 - 無形記憶 / 有形痕
 
 
「 無形記憶 」將創作路程中斷線的節點，透過自我本身對「理想身份」和「事物本質」的理解，呈現每個過往的當下的記憶。在如洪流狂浪的資訊爆炸時代，創作最困難的問題不是最初的靈感，而是如何維持靈感的原貌和純度以及使其與生命緊密結合的步調。雖然我也不確定這些記憶是真實存在還是虛擬模擬，但透過我所熟悉的「陶土」，在重組創造的過程中，透過這些元素 - 空間、對應、重複、組合、規跡和時間的牽引，形塑出一個生命存在的價值，述說一篇生命的詩歌。
 
展覽日期 | 2021 . 3/6 - 3/29
 
 chin chin cup show  2021 牛年杯子展
 
每逢過年，我們喜歡將各式有趣的杯子齊聚一堂
看著杯子，也感受每個創作者特有的美感與個性
找一個陪伴生活一整年的杯子吧！
 
展覽日期｜2021 . 2/5 - 2/28 
 

 

吳孟哲 - 饗之器 器之茶
 
 
與其說他全然投入柴燒創作，不如說柴燒帶他認識這個世界。
吳孟哲投入柴燒創作領域七年之久，生活有一半的時間都在柴窯場度過，從尋找木柴、作品製作、幾日不間斷的燒窯，總在每每開窯的當下，印證身體勞動的痕跡。
「饗之器 器之茶」，正是多年創作的累積，柴燒創作當中除了展現火與灰，完美畫面的掌握，並傳達食器與茶器具理想的詮釋，更是吳孟哲投身創作其中，身體與精神的張力表現。
 
 
展覽日期 ｜2020 . 11/6 - 12/6
 
 
 
 
洪湛筑 - 寤寐之間 Between Day and Night
 
對我而言，所有時刻在光影、濕度、氣流、氛圍變化中皆有節奏，感受其間韻律即是我獲得平靜的一種方式。藉由創作，將經驗印象純化、萃取，提煉出身體感的和諧，轉以抽象的方式表現。是對平靜的練習，也是對生活的分享。
 
一直以來習慣日落而作，日出而息，在晝夜交替之際活動，以迂迴的方式接近光。研究所三年來的寤寐之間，在循環不止的日昇日落裡，感受最尋常的風景，並與之相遇。
 
 
展覽日期｜2020 . 9/5 - 10/5
 
 
 
許瓊文 - 肉體記憶
 
 
作品充滿強烈的女性表現，粉紅色、濁透、華麗、尖銳、陰柔、且尖銳的，一直試著透過材質看間全部的自己。
 
不斷突破既有的形式框架，找到自身的語彙。以有機物菜瓜布的剪貼作為形體的根本，材質上選擇最為單純的原料，並使用水切機將以燒過堅硬的物件頗開，才發現頗面的世界如此豐富，如同肉體一般來親密。
 
 
 展覽日期 | 2020 . 8/1 - 8/30
王瑞竺 - 土之層 Layer of Clay
 
 
土壤，是由層層水平堆疊的土層
經由時間的累積，逐漸形成孕育生命的容器與場所。
以土板成型的技法為基礎，將土板視為堆疊的單元，試圖打破工整的限制，改以粗獷隨機的手撕，仿效自然地層的水平層層堆疊，在不斷堆疊土板的過程中加入自己雙手的節奏，亦隨著當下心境的變化，透過對空間與陶瓷材質性的觀察，在每一片看似重複堆疊的過程中，從土板的輪廓、厚薄、色彩到土板之間流動的縫隙，生命的場所逐漸成形。
 
 
展覽日期 | 2020 . 7/4 - 7/26
 
 
2115 盒子概念特展
 
 
以15立方的盒子作為創造的設定
創作者將個人風格與對物件的想像
盡情發揮其中。
 
本次展出為多位新銳藝術家：
黃玉旼、彭馨瑩、蔡佳宏、Kate Strachan
陳瑋軒、王鴻川、黃曉茹、石山哲也
 
 
展覽日期 | 2020 . 6/17 - 6/28
 
opm florist 
- dirty garden

 

土的味道是很迷人的。​

dirty garden，初夏的土帶著一點雨水的氣息。隨意自在的依照光線生長，露出迷人的身軀。我們將一件件的陶器化為土壤，注入純淨的水，讓花順著生長的姿態蔓延開來，在這片土氣花園。​透過植物的自然變化，表現萬物的自然週期​，邀請你每天來欣賞花慢慢變化甚至凋謝的美​
 
 
展覽日期｜2020 . 6/5 - 6/14 ​
 about flame  / 柴燒器物展
 
 
希望透過一些什麼來記錄下時間的模樣，而器物就是我們選擇紀錄的方式。
我們用了許多身體的時間，許多火的時間製作出器具
可以使用，可以用一次次的使用，在時間上繼續紀錄時間。
 
 
展覽日期｜2020 . 5/2- 5/23
前田直紀 - 掌
 
來自日本靜岡縣藤枝市的前田直紀，透過本次展覽「掌」的姿態表達他對於處世的看法。當手掌打開迎接的是一個具有社交意義的器皿，而當器型變得封閉，我們不在討論他能夠承裝的功能為何，即變得寧靜。
 
有機會來到台南駐村六週，他對於台灣茶文化深感興趣，特別專研茶壺的使用，而部分作品則使用台灣的生漆作為塗料，再將作品埋在土裡，沾染上許多台灣的土質的纖維，在台灣的生活對前田直紀來說是打開所有的感官，好好在這裡創作。
 
 
展覽日期 | 2020 . 3/28 - 4/26
 
 

chin chin cup show  2020 鼠杯秀 

 

本次共展出20位以上創作者的杯子

你可以透過一個再日常不過的物件
感受到陶藝家想傳達的手感與質感

special！
cup show !
chin chin pottery ！

 

展覽日期 | 2020 . 2/21 - 3/8 

 

 

童品元 - 漫長的告別 Never Say Goodbye

為了將生命的片刻保留，我們使用影像紀錄，設法讓瞬間停在永恆，而對於影像的載體何謂永恆？

 

童品元創作個展中提出許多對生命的疑問、對材質的討論，以及對於自己情感的抒寫。

「 如果相紙上的影像象徵了一個更長的生命保存及延續，那我是否可以透過物質的轉換，讓影像更接近永恆，陶瓷的材質性在燒成後有著不朽的特性，在作品裡我透過泥漿對相片進行描摹，並燒製，這個過程中有如儀式般，對於已逝的親人與時光進行再一次的對話，也透過燒成後這些指向永恆的產物，將哀悼之情發揮到極大化。」

 

 

展覽日期 | 2020 . 1/17 - 2/16

 

 

2 ceramists  閔昇基＆延昊勁 粉青陶藝展

「粉青」是韓國傳統著名的一種釉色，他們延續著的粉青釉色的精神，再結合當代陶藝創作著的想法，表現出強烈的個人風格。

 

延昊勁 YON00

作品多以手捏方式成型，刻意不將手捏的痕跡抹去，再以大量的點點、或是不經意的線條、又或自然物的彩繪，如：水果、樹木、或是從小在她周遭共同生活的動物，全是她筆下創作的靈感。

 

閔昇基 MinSeungKi

作品多以理性的線條與色塊作為風格主軸，單一的透視元素卻有多樣性的發展，作品多以手拉胚及陶版成型，做到精準、簡潔、分明的表現。閔昇基對於建築空間的觀察與敏銳，系列作品也深受空間影響。

 

展覽期間 | 2019 . 12/20 - 2020 . 1/12

 

 金生花 I＋I = III 

 

來自韓國的藝術家金生花，作品抒發著對於女性情懷，長時間居住在中國的她，時常對於自己的生活、身處文化、感悟，有著深刻的衝擊與經驗，透過藝術創作找到生命中的平衡與依靠。

 

 

展覽日期 | 2019 12/2 -12/16

 

 

藤本秀 Hide Fujimoto - 原始風景

Hide Fujimoto is enchanted by the dynamism of nature.

He looks for "Genuine and True" nature, using the power of soil and fire.

Although his technique is based on the tradition Shigaraki pottery way, his expression is unconventional and has extreme strength.

 

Date: 2019 11/2 -11/30

Opening Party: 2019 11/2 (Sat) 14:00

Tea ceremony: 2019 11/10 (Sun)

Workshop: 2019 11/16(Sat)

黃虹毓 - 日日食用 Daily Routine

Through the experience of daily life with plastic bottles and cups during her residence program in EKWC, ceramic artist Huang Hung-Yu decides to make a series of work to describe the relationship between people and plastic vessels.

Date: 2019/9/6 -10/6

Opening Party: 2019/9/15 (Sun) 15:00

Kim Kiyoung - 記憶的形構

Korean artist Kiyoung Kim tries to explore and express his suppressed memories by making complex sculptures with different materials and glazes.

Date: 2019/7/10 - 8/11

Opening Party: 2019/7/13 (Sat) 14:00

Zak Helenske - As a Guest  

" I made this work as a guest of the Tainan National University of the Arts.  For two months, during the spring semester, I was the Visiting Artist in Residence in the Ceramics program. I have been a guest of the beautiful island of Taiwan, of Professor Ching Yuan Chang, and of the graduate students who very generously shared their studio with me." - Zak Helenske 

Date: 2019/6/15 - 7/7

Opening Party: 2019/6/15 (Sat) 14:00

餐桌上的靜物畫  Still Life on the Dinnig Table

"Still Life on the Dinnig Table" is a group exhibition of three Korean ceramic artists: Kim Myung Rye, Shim Jisoo and Yeo Kyung Ran.

Date : 2019 1/10 - 2/17
Opening party ：2019 1/12 (Sat) 14:00

 

高橋由紀子 - 絞胎練習展

Excellent and incredible Nerikomi ceramic works presented by Japanese artist Yukiko Takahashi. 

Date: 2018/12/8 - 2018/12/30

Opening Party: 2018/2/8 (Sat) 14:00

Workshop: 2018/12/9 (Sun) 14:00 -17:00

MIKI KIM - Rain Leaf and Friends

Korean artist Miki Kim who travels and now lives in Finland finds nature inspiring and interesting. She is the visiting artist in TNNUA this summer, sharing her experience and ceramic works.

Date : 2018/10/19 - 11/25

Opening Party : 2018/10/19 (Sat) 15:00

 徐子涵 - 在場  To Be on the Scene

Ceramic artist Hsu, Tzu-Han uses hand-made vessels to explore the meaning of human bodies and minds.

 

Date：2018 08/16 - 09/13

Opening Party：08/18 (Sat ) 14:00

 

許瓊文 - 花兒在泥濘裡盛開

Artist Chiung-Wen Hsu creates a world with conflict beauty and ugliness via the experiments with clay and materials. 

Date: 7/11 - 8/12

Opening Party: 7/14（Sat) 14:00

Elaine K. Ng - The Map is not the Territory

How do we know what we know? Artist Elaine K. Ng's work examines ideas involving perception, memory, and language. She creates objects and installations that are visual abstractions of the things her mind clings to, the blurred outer edges of non-verbal thoughts.

Date: 2018/6/1 - 7/1

Opening Party: 2018/6/9  (Sat) 14:00

Artist Talk: 2018/6/22 (Fri) 19:00

卓俞翔 - 材值 Material Integrity

The works consist of collected materials, usually broken shards, were found in the garbage area or abandoned Art works left behind by various Artists.

Artist Tok Yu Xiang (Todd) then bonds them together by the purity of white porcelain and puts through another process of firing.

He then Produces various random forms of objects to investigate the value of Art in respect to the value of material.

Date：2018/4/6 - 5/6

Opening Party：2018  4/14（Sat）17:00

林其勻 - 非得睡上一覺  Sleep on It

 

Everyone has a child inside. Ceramic artist Chi-Yun Lin expresses her heart with huge but delicate sculpture work.
 
Date：2018  3/3 - 4/1
Opening Party：2018  3/3（Sat）14:00

張清淵 - 自家用  Homeware

Born in 1960, Taiwan, Ching Yuan Chang is the Professor and the Chair of the Graduate Institute of Apply Arts of the Tainan National University of the Arts since 1997 who had exhibited his sculptures and functional ceramics nationally and internationally.

This exhibition is a glimpse of Ching Yuan Chang's functional ceramic works.

Date ：2018 1/6-2/3
After Party ：2018 2/3 14:00

Taiwan Sky

Amanda Salov is an artist whose work examines the qualities of a moment, or the idea of a moment in physical form: temporal, fragile and fleeting. These moments are plastic, sometimes they seem to stretch translucent thin, changing in strength and quality.

 

Date：2017  9/23 - 10/22
Opening Party：2017  9/23 (Sat) 14:00

Traces

Traces on hand-made pottery show every step of the movements the maker took. By taking a close look, you can explore all the conversations between vessels and the maker.

 
Date：2017  6/9 - 7/9

Opening Party：2017  6/27 (Sat) 14:00

Caution: not to be taken lightly (but remember to laugh)

Caution: not to be taken lightly (but remember to laugh) features the work of American artist Sam Mack and explores themes of American queer politics,Internet culture, and the contemporary use social media &amp; the devices with which we access the world wide web. 

caution… references the history of still-life panting in rendered in gestural and archival ceramic form.

 
Date：2017  5/11 - 6/4

Opening Party：2017  5/13 (Sat) 14:00

Materials and Minds

Krisaya Luenganantakul, the Thai artist expresses her culture root and religion by using different hand-made papers and porcelain slip.

Date : 2017 4/8 - 5/7

Opening Party : 2017 4/8 (Sat) 14:00 

“… and I thought I was conceptual …”

Noemi Iglesias is an artist who defines herself working with sculptural media and long-lasting performative formats. It is a clear example of contemporary nomadism, since 2009 the artist has lived and worked in Greece, England, Finland, Italy and Hungary. She currently resides in Taiwan where she studies and researches on ceramic practices at the Tainan National University of the Arts.

Date : 2017 3/11 - 4/4

Opening Party: 2017 3/11 (Sat) 14:00

Outside the object - Inside my body

"The "point" made of porcelain clay is the basic unit of physical labor, and through the framework of setting the form of self-creation or the limitation of time and scope, it is possible to eliminate the beauty or shape under the so-called subjective cognition as much as possible in the present creation." - Ching Che Lin

Date：2017 2/15 - 3/7

Opening Party：2017 2/25 (Sat) 14:00

Coexist

After finishing her residence in Northern Thailand, artist Yi Chi Tsai uses new perspective to discover the reality outside and inside herself.

Date : 2017 1/13 - 2/12

Opening Party: 2017 1/15 (Sun) 16:00

Through the Test of Fire

The functional pottery work exhibited by ceramist Tok Yu Xiang (Todd).

Date：2016 12/04 - 2017 1/8