青青 x 人物紀錄

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- 廢棄的生命

今次於青青土氣展出的《物之再考》，為藝術家Todd（卓俞翔），以藝術廢棄物作為發想，進而再造並賦予價值反思的一系列作品。展間裡，充滿補綴痕跡的物件，多是採集自青青土氣產生的陶瓷殘骸，諸如為餐廳製作的盤子、兒童學員課後未能保存的小物、國際運送過程中破損的展品。Todd將這些碎片重組、拼貼，在倫理的界線中，模糊了作品的歸屬，重新定義藝術品的價值。

時間回到2018年，Todd在青青土氣展出《材值Material Integrity》系列作品。在當時，我們就能看見各種殘骸在他手中重建、拼貼。和今次展覽不同的是，《材值Material Integrity》系列作品會比照黃金的秤價方式，讓詢價的人實在地感受到「藝術的份量」。但到了《物之再考》，展出的作品卻能用以物易物的形式換得。六年間，似乎有什麼改變了。

Todd生長於新加坡，在嚴謹的社會教養下，養成了渴望衝撞體制的性格，被認為是叛逆的存在。在接觸藝術後，他知道這裡有他的歸屬，但就像許多創作者一樣，Todd也曾被長輩以質疑的語氣，問他一件作品值多少錢。也許是憤怒，也許是不甘心，他將撿來的陶瓷殘骸重組，再以黃金秤價展現「藝術的份量」，這便是當時所能做的，對資本主義的反擊。

剛認識那時候，Todd是心裡有憤怒的青年。他投柴、燒窯，像要將自己的不滿與批判，全數投入火坑燃燒。這些年，我們一起吃飯，一起駐村，一起為作品和展覽勞動。也不知道從什麼時候開始，他不再像從前那麼憤怒了。也許是理解他的人多了，在這裡，沒有人會質疑他一件作品值多少錢，我們欣賞他全然地相信土，相信火，相信材質還有無限拓展的可能性。

來到Todd位於台南六甲豬舍的工作室，如同囤積症現場，他撿回任何可能會用上的殘骸，每當開始「做作品」，便會看著採集來的材料，思考廢棄的陶瓷如何再次擁有生命。問他為什麼這次展覽一個定價都沒有？「我想要和這個空間產生連結啊」Todd笑了。從黃金秤價，到以物易物，曾經憤怒的青年，這些年，脾氣柔和了，臉龐也柔和了。

文字：柴柏松

2024.2/28

- 森林裡的秘密

去年夏天，我們收到一封手寫的展覽邀請卡，寄件人是當時正在麻豆駐村的梁瀚云。卡片上印著她的陶作 —— 線條乾淨細長，後來知道那是阿勃勒。盡管素昧平生，我們還是去了展覽的開幕。那會我們在人群裡短暫相認，話說不多，但對作品印象很深。隔週她來青青拜訪，一聊三小時。她談到駐村結束後的焦慮、工作上不知去向的迷惘，在那話語築構的世界裡，對她的認識突然就立體起來了。

梁瀚云是感性且重視材質的創作者，她擅長從自然取材，將土地的生命轉化爲陶的語言。問她為何選擇這樣創作？她提到過往在日本生活與勞動的經驗。二Ｏ一七年，梁瀚云在陶藝家小野哲平的工作室擔任助手，採菜、劈柴、生火燒水，食衣住行都在那遠山之中。那時她學會採土、理土、練土、入窯，一個陶藝的完成，她從源頭開始探索。

助手一做四年，這期間，自然取材已成為她創作的核心。她說，小野老師每兩個月會舉辦一次物見會，那是一個難得的機會，許多人會聚在一起討論創作，或創作者如何定價，這樣瑣碎的問題。參與者可以透過他人所見的世界，來認知到自己的作品會被如何理解，或自己的疑惑會被如何回應。有次，梁瀚云拿自己的作品出來講述概念，小野老師直言，她的說法和她的作品兩者是分開的。這是一次劇烈的挫折，在那之後，她很長一段時間沒有自信，覺得無法為自己的作品好好表達。

難過的時候，梁瀚云會往森林深處走去。她說，有個深刻的畫面，是她去環抱巨大的樹，在那當下，她突然意識到，樹梢會搖晃，樹葉會摩擦，但樹根是不動的。她遂明白，只要找到不會動搖的信念，無論外部如何變化，她都能穩住自己。

穩住自己。今次在青青土氣展出的梁瀚云創作個展，我們便能看見那細緻的，取材於自然的創作脈絡——有樹枝的線條，有阿勃勒的豆莢，有名為家的礦物形狀。總覺得，梁瀚云身上有一種電影的段落，是她沿著河岸，沿著土地漫步到深山裡挖土，好像在尋找什麼東西。在那漫長的過程裡，她採集，她燒製，她會讓一些找尋的歷程，訴諸陶瓷，賦形植物。她會讓它們長出自己的根，成為不會動搖的自己。

文字：柴柏松

2023.3/12

- 也盛綻也頹敗

今次於青青土氣展出的《屋園內 The Rest》，為創作者李欣諭以父親的植栽作為發想，所發展出的一系列作品。展間裡可見掛畫卷軸、髹漆木架，其濃厚的東方印象與陶瓷花植相互融合，呈現虛靜的古典逸致。而在那知性的擺佈中，有一種隱微的不和諧挑動著觀看者注意力——陶瓷的花植們以疲軟、垂喪、白化的姿態靜止著。在這倣模父親品味的空間裡，不禁讓人思量，這樣對於原生家庭的詮釋，也盛綻也頹敗，她所經歷的世界有過怎麼樣的拉扯？

李欣諭從小就深受父親影響，她崇拜父親的鑒賞力，也喜愛父親耽玩的收藏品，她曾與父親一起弄花蒔草，那些絢爛奔放的剪影，都是記憶中家庭美好的回憶。然而成長時的敏感、尖銳，讓李欣諭逐漸與家庭疏遠了。身份認同也好，價值判斷也好，無法與普世價值相合的自己，在成長歷程中，都讓她感受到矛盾與拉扯；那無處安放的心情，李欣諭讓它們用花的樣態恣意綻放——揉合了美好回憶與生長陣痛的生命史，就體現在今次的展覽中。

然而枯萎就是落敗了嗎？作品〈捧不動的摔下來〉，以美與爆裂的姿態，向觀看者述說，她也有以自己的方式，回應親情之間綑綁自己的傳統枷鎖。〈捧不動的摔下來〉在展間以兩幅各執左右的掛畫，分別展示了被拍攝下來的花植雕塑：左邊草本紅花，右邊木本白樹，而掛畫正中間，則是雕塑的本尊——它們在重新燒製後合為一體，紅花以壓碎白樹的姿態簇擁著，底下有崩塌、有碎痕；李欣諭說，紅色的是自己，白色的是父親，作品做完後，她覺得自己該跟這些系列的作品告別了。

問李欣諭那轉折的原因是什麼？她說，大概是生活能穩定了，有人能承接她，而她現在於六甲靜靜的生活。仔細想想，展間裡那委頓、掙扎，看似不好的感受被永恆封存著，但同時也意味著，有些事就到此為止，與過去的系列告別後，現在的她已經向前走了。

文字：柴柏松

2022.11/30

- 將話語燒製成形

今次於青青土氣展出的《名為X的馬戲團》，為林怡慧、王鴻川初次的作品聯展。展間，由林怡慧打造的動物群，以戲班子靈動的身姿迎接觀眾，它們色彩繽紛，笑容像嘉年華般絢爛。而與那俏皮外型成為強烈對比的，則是出自王鴻川之手，骨骸般怪誕的人形——它們靜默、蒼白，卻像暗影使人怖慄。展間裡，作品強烈對比，歡愉並未缺席，卻瀰漫著神秘與憂傷。

不同於以陶藝直抒胸臆的創作者，在聯展的作品中，林怡慧與王鴻川皆以角色去述說故事，他們不約而同地，縮小了自我的存在感，像小說家那樣，隱身於人物之中。

「我不想賦予東西過多的情緒」林怡慧說。對她而言，創作並非強烈的自我連結，也不僅是把私人的心事挖給別人看。林怡慧從小就喜愛動物，關注議題，她的雕塑更像是讓牠們自己去表達生態與人類之間的關係性。而曾在捷克接觸木偶劇團的王鴻川，更是深諳操偶、扮演的意義。他說「無論我多不想被看見，還是已經在故事裡，只是透過角色，我可以控制有多少在裡面」，他認為角色的站立狀態，正是一種原地踏步，而那角色叩問著，為何人們自詡文明，卻從未停止戰爭。

對青青土氣而言，今次的聯展，就像是兩位創作者某些生命中灰階的交疊。他們不斷創造角色，又讓角色攜手創造馬戲團，而那反覆交織的扮演，讓思想詮釋再詮釋，他們透過了陶瓷，將話語燒製成角色的靈魂。

文字：柴柏松

2022.4/27

- 孩子氣的凝視

今次於青青土氣展出的〈resettle〉，是創作者KIMKIM以童年時期的花園作為發想，所發展出的一系列作品。揉雜了老家花園裡父親種植的龍柏、杜鵑、松、櫻花樹與迷迭香，KIMKIM說「現在還在我腦中的花園其實更精彩」。想透過作品，將老家的花園搬進城市小陽台，KIMKIM的作品，與父親打造的花園相互輝映，將回憶以雙手重現，你將在展場看見KIMKIM眼中生生不息的四季更迭，以及凝縮成作品的珍貴回憶。

生活中的微物觀察家

透過今次的個展，可以注意到KIMKIM是非常善於處理細節的創作者。像〈龍柏〉這件作品，不僅是單純刻畫龍柏這棵植物，同時也帶入了它在夜間的姿態，及星空的意象。我們在綠意間，亦能覺察到藍色、黑色的變化，在那紛呈的視覺裡，宛如聚攏了一日的光影變化。問KIMKIM平常是怎麼觀察這些細微的事物？她說，就算只是落葉，她也想細細去凝視葉脈的走向、葉緣的鋸齒，以及葉身的馴染變化。甚至，連朋友們都知道她有這樣的習慣，一起走在路上，也會任她恣意觀察。遂想起，那種對微物的用心注目，正是一種孩子氣獨有的凝視。即使成人都明白，世界遠遠不能被我們的雙手所控，但在那轉瞬即逝的微物凝視中，她仍盡一切所能，以孩子氣的方式，使世界在手中擁有一次詩意的樣貌。

對身份的迷惘

然而在這樣孩子氣的性格裡，KIMKIM也有過一段較為灰暗的時期。2019那年，她飛往芬蘭、美國駐村，在那集結著世界各地藝術家的場合，有人成熟從容，有人力求表現，大家看來都對藝術家的身份毫無疑慮。KIMKIM坦言，當時感到非常迷惘，在那名為藝術家的世界入口，她深知自己在猶豫，同時也對這樣的群體缺乏歸屬感。「我其實只是喜歡做陶」KIMKIM說。也許是覺得自己還沒有準備好，也許是眼前還有更大的現實考量，在那還無法釐清未來走向的時刻，她必須好好面對自己，正視心中的問題。

陶藝即生活

回到台灣後，KIMKIM以自己的腳步直面現實。她先是擺市集，為陶藝作品試水溫，同時也做些實用取向的小東西維持創作。後來她的作品被越來越多人認識，也陸續接到陶藝教學的工作邀約，在那充滿不確定性的摸索之中，原先模糊、不可知的未來，也逐漸有了清晰的狀態。當陶藝成為生活，現在的KIMKIM已經能夠以陶藝教學者、創作者的身份自由活躍了。

今次的個展，我們能看到KIMKIM作為一位創作者，細緻的技術與創造能力。KIMKIM在展覽的自述中這麼寫著：「這次的展覽作品，以陪伴我成長的院子為背景，把舊院子中的植物們化作湯匙，移植到小盆栽裡，陪伴我的日常。」也許對KIMKIM而言，創作不是一種征服或理想的實踐，而是她如何在這樣孩子氣的凝視裡，為一個更廣袤、自由的世界觀溫柔賦形。

文字：柴柏松

2021.10/17

- 疫情正盛時的想念與祝福

第一次見到賢朱，是在青青遷址前的出清拍賣會上，那時她隨手拿起商品，被旁邊的人打手說「那是我先看到的」。留下一個深刻的印象，再次見面時，她帶著一家人來到現在的青青，報名了個人的課程。

賢朱來自韓國，先生來自法國，夫妻倆在台南居住了十年。她來上課時，總會帶著六歲的女兒，下課時，先生再和兒子一起來接她。對賢朱而言，能從日常的忙碌中抽身，在陶土之間尋求屬於自我的美感，那就是她與自我對話的時光，一個放鬆精神的時刻。她在做陶時，和有志於追求藝術的人不同，最後出窯的陶器僅是她沉靜身心時，思想的具象化，那陶器呈現著樸素的感情，但卻飽含了一個人所能表達的全部話語。

在課程中，賢朱的女兒總會安靜在角落看媽媽做陶，她綁漂亮的髮辮、穿精緻的鞋，可以看出賢朱總是細心經營著生活的質感，就像她的陶器，即便初學，也有一種講究的氛圍。和賢朱的女兒越來越熟悉環境後，我們會帶著她一起去水仙宮市場。在傳統攤販裡，她會驚奇的看著活魚和青蛙，也會帶著興致在水窪之間奔跑。後來，甚至培養出了默契，只要賢朱來上課，我們就會一起去吃她女兒最喜歡的麻醬麵。

與賢朱的友誼就這樣建立了，偶爾她會帶來自製果醬與麵包、素咖哩。沒有去水仙宮市場的課後，也會一起在青青的餐桌吃飯，賢朱的先生和兒子也來了，看起來我們就像個大家庭。

幾個月過去，在賢朱的女兒快要七歲時，他們一家做了回法國的決定。為了送別賢朱一家，我們約定好要在一次晚餐後一起做麵包。那時賢朱的先生帶了一個特別酵母來，據他說，那酵母來自一位乘著風帆環遊世界的瑞士人分享，只要讓酵母和麵粉摻一起做個簡單的麵包，就可以烤出特別的口感與酸度，並享受到酵母在口腔裡原始的香氣。那天我們吃了不同於以往的特別麵包，也說了許多話。而酵母就留了一部分在青青的冰箱裡，以菌種的生命，延續了我們從賢朱一家聽到的故事。

八月中旬，終於也到了搬家的時候，那時看著他們把家裡的陶瓷古董、舊木料與台式老物件寄回法國，也在登機時間確定以後，有了分離的實感。他們已經來台灣十年了，能在最後一段時光彼此認識，真的很開心。離開台灣前，賢朱一家來到青青道別，他們留下一張附有照片的手寫卡片，我們約定好了，一定還要再見面。

雖然不知道下次見面會是什麼時候，也不確定小朋友是不是會記得曾經在水仙宮市場的回憶。但青青會一直在這裡，繼續每一天的工作與生活、在餐桌上開飯。偶爾從冰箱打開酵母時，就會想到現在在法國的他們，希望在疫情正盛的此刻，他們可以一家平安。

文字：余欣宜、柴柏松

2020.12/25

- 勞動的存在感

今次於青青展出的〈饗之器器之茶〉，為吳孟哲以柴燒創作的一系列作品。步入展場，可見到木桌上襯著一落落器物，那素常的碗盤，讓展間呈現著親切的氛圍。視線來到正前方的牆上，有兩禎以板型製成的壁掛，視覺以落灰的強烈火痕做為時間象徵，那專美於柴燒的色澤，正是吳孟哲勞動的存在感。

柴燒是具備長時間投入又高度未知的體驗，在出窯以前，沒人能知道窯內空氣對流的落灰，會讓作品呈現什麼姿態。但吳孟哲在創作上最獨特的地方就在於，他在無數實驗後，掌握了柴燒的特性，能讓那自由揮灑的落灰，於作品上精準降落。

時間拉回2015年前第一次獨立燒製柴窯。當時他還不懂如何將溫度升起，也不明白如何燒出變化，開窯後迎來的，是不忍卒睹的青澀作品。後來的幾年，他持續投過學習柴窯認識這個世界、認識柴窯，與認識自己。2018年時，他到美國擔任柴燒藝術家Simon Levin的助手，當時正值冬季，每天在工作前，就必須在低溫的氣候裡徒手剷雪，以整出可以行走的道路。而鏟完雪，又必須繞過大片的森林，找尋可用的木料。那時他搬運、劈砍了許多柴薪，在巨大的勞動強度中，也磨練出他與柴燒緊密的連結，這成為他最難忘的日子。

吳孟哲預計明年籌備個人的柴燒工作室，祝福他在回歸到自身的土地後，也能保有豐實的熱情，並且能在屬於他的風格中，推廣著自身熱愛的事物，並能讓更多人能認識柴燒獨特的美。

文字：柴柏松、余欣宜
2020.11/22

- 肉體記憶

今次於青青土氣展出的《肉體記憶》，作品與標題，皆具備一種單刀直入的氣氛。展場裡，粉色恍如肉塊的雕塑，既暴露又優雅地，呈現了裸裎的肉感。觀眾透過她的作品，能感受到浮想聯翩的身體性，那直截了當的慾望宛如她所用的原料，既晶瑩又透明。許瓊文曾在訪談中提及「我喜歡純粹的事物，也希望人與人之間的關係可以很單純、直接，不要有太多內心戲」。那讓人留下強烈印象的作品，正反映了她實驗材質時追求的速度感。

許瓊文在創作過程中，一直想要找到「透明」、「粉紅」、「尖銳」的材質。展出的作品，原料正是她嘗試多年，才發現的高嶺土。問她為什麼一定要這些土，其他土不行嗎？她說，正因為土正是肉體的延伸，想要找到完全屬於自己的東西，所以不能妥協。找到了核心的原料後，許瓊文甚至不惜買下一座山，就為了預防原料用罄的一天。對她而言，作品是生命、精神、靈魂的記憶。這些透過土而留下的生存片刻，都擁有各自的「肉體」，而現場的作品，正是她感知的具象化。

在原料的嘗試上，許瓊文做了許多實驗以擺脫耗時的燒製過程。為了要立即看到成果，她將形塑過的高嶺土與熔塊直接送入電窯快燒，那單純的原料，竟在實驗中產出了溫潤的層次。出窯後，許瓊文會嘗試以水切機將部分作品一分為二，看看剖面的姿態。那切割的過程不僅是具備肉感的手術，也暗示許瓊文會不惜將自我剖開，只為了看得更深。

對於許瓊文而言，展覽並不是一個階段的集大成，直至此刻，她都還在工作室裡構思怎麼表現新的材質、或技藝上突破。兩年前，她在青青土氣展出的《花兒在泥濘裡盛開》已可看見她實驗高嶺土與熔塊的質感。今次展出的《肉體記憶》，原料已經和她建立出更深厚的默契，在肉體的基礎上，展現了更為成熟、細緻的心象風景。

文字：柴柏松

2020.8/14

- 鬧中取靜

前田直紀先生的出生地藤枝市，位於日本靜岡縣中部。過去十幾年來，就像許多鄉下一樣，人口嚴重外移。四年前，前田先生返鄉經營陶藝工作室，從陶藝教室開始，再帶兒童親近大地、認識家鄉的泥土，透過網路的建立慢慢累積旅客。近年，工作室來客數提高許多，人手也逐漸擴增，或許前田先生想為故鄉帶回人潮的想法，已經有了實現的樣子。

作為一個空間經營者，看到前田先生在世界各地駐村的同時，還身兼講師、打理著空間業務，就覺得他的創作，有種鬧中取靜的氣質。這次前田先生在青青土氣展出的「掌」系列，延伸自他「開合」的精神。「合」作為展品的核心，現場置有空心但封閉的雕塑。

前田先生說：「當手勢向外打開，迎接外在物質進入；當手勢封閉，我們會低下頭安靜地把想說的話包覆進去」。那手勢的封閉姿態宛如稻穗，想說的話似乎沒有言語，但視覺上卻具備溝通性。透過展場的陽光推移，作品顯現出一種緩慢甦醒的生命力。

在眾多新生代陶藝家裡，前田直紀並不標新立異，作品總呈現安靜篤實的視覺。他理想的，是讓陶藝親民化，將自己從世界各地看到的風景，帶回藤枝市，他的故鄉。

在青青土氣的展覽空間中，常有機會接觸到形形色色的陶藝家，每個人身上帶著自身行走於世間的故事來交換。世界很大，但許多角落都有人和我們一樣，每天練土、拉胚、燒窯、教學、舉辦展覽。

這就是我們的生活，用相同的熱情傾注的生活。如果你在展場碰到前田先生，也許他會熱情地笑著說：如果有時間，請到到藤枝市來看看。

文字：柴柏松、余欣宜

2020.4/12

- 寡言的盛情

今年春天，我們一行人去到了藤本秀老師位於日本滋賀縣的信樂村工作室。在那被青苔和樹影覆蓋的深林裡，他的工作室和窯房融在自然間，不驚不擾地，煉著土燃著柴。我們參觀了他工作的地方，也看見他和室裡身形瀟灑的作品，他款待我們做工講究的甜點，也砍了竹筍，帶我們拜訪其他陶藝家的私人工作室。

滋賀縣的信樂村，以土壤特殊為人所知，這裡挖掘、提煉的土，在高溫出窯後，會呈現出顆粒獷莽的坯體。與質地纖巧的白瓷不同，這裡產的陶器，都備有一具豪放的身體，但在那身體之中，又散放著敦厚溫暖的氣息。藤本老師的作品便有這樣的底蘊，在這土壤特殊的鄉野裡，他將雙手深入大地。他說：「我是在豐饒的自然環境裡成長的，身邊的風景就是我創作的風景。」放眼望去，漫山遍野的土好像都在等待他就地取材，成為作品。

藤本老師從不勉強手裡的土一定要呈現出什麼樣的美感，他可以在秩序間放任土坯的線條，也可以鄭重其事地任作品毀壞，再視碎片為美的形式。那近乎日本美學的侘寂（わび・さび），以其不完美的姿態，展現轉瞬即逝的無常與自然。雕塑家林怡芬曾經在信樂村受到藤本老師的指導，她說，藤本老師對她啟發許多的地方是，藤本老師曾告訴她「土是活的，不要想控制它，它會因此而死去，要和土對話。」

藤本老師寡言但盛情，他和土的對話都在作品裡，他待人的細膩都在看似豪邁的舉措裡。印象很深，要離開信樂村那天，本來和藤本老師約好在車站道別，但火車到站時，都還不見他的身影。那時還想，不會見到了吧，但遠遠看到藤本老師抱著一包牛皮紙袋向我們跑來，原來那是一袋熱騰騰剛烤好的狸貓燒，餅皮做成信樂村的狸貓吉祥物圖案，裏頭包著紅豆餡。

火車開走，我們想像藤本老師的生活又回到靜默之中。在那土壤特殊的信樂村，作品可以從他手中生長，也可以轉瞬即逝。

文字：柴柏松

2019.11/21

- 永久的一次性

「在荷蘭駐村的那段期間，每天走進超市，看著盛裝食物的容器每天大量出現在廚房回收桶。以前就很關注塑膠容器對於生活的影響，到歐洲後，發現無論在歐洲或台灣，塑膠容器都無所不在，這便是日日食用的開始。」今次在青青展出的《日日食用》，黃虹毓思考著塑膠器物與人之間的關係，以陶瓷再造了塑膠容器的形貌，延伸出人們對於一次性消耗的覺察。展場裡，作品呈現出塑膠杯和豆腐盒的外型，在那色澤溫厚的表面上，透出陶瓷經過高溫釉燒後乾淨明亮的質地。

「平常外出的時間，手裡拿的容器幾乎都是方便快速、替換率高的容器。像是便利商店、手搖飲料店、小吃店，幾乎每天都會用到各種不同的塑膠容器。平常看著覺得很正常，直到自己在做陶器後才開始對實用器物的材質產生強烈的意識。」黃虹毓認為，塑膠器皿是很精緻但使用時間卻很短的東西，想要透過陶瓷的永久性去保存它。

為什麼會特別想要永久保存塑膠容器？

黃虹毓從小穿梭在家人工作的夜市和菜市場，經常看著塑膠容器承接商品或食材。她認為，塑膠容器的一次性，讓她感到悲傷，因為用了就要丟掉，那容器更換的速度快到沒時間去理解。陶瓷在此就是她崇高的理想形象，「第一次拿起陶瓷碗盤時，就是小心翼翼非常專注自己的動作行為，那是非常認真對待陶瓷器皿的感覺。」在了解陶瓷的製作過程之後，黃虹毓感受到陶瓷所需要的時間與精神是無法替代的，而以陶瓷包覆塑膠的過程，也是再次將她習以為常的物品理想化。

土星工作室是由黃虹毓及彭奕軒組成。作品由黃虹毓製作，網站上的經營則由彭奕軒負責。談起現階段的創作狀態，黃虹毓說，年初開始成立了一個開放工作室，透過課程可以接觸到許多民眾，那樣對於器皿單純的需求反而是她沒有嘗試過的創作角度，也讓她此刻很想拿起一塊土，直覺地以最簡單的造型做出一套給自己使用的器皿。

我們眼中的黃虹毓是一個生活就是做陶，做陶就是她的生活，不停止的追求對於材料的熱情，也張開雙手觸摸這世界的質地，尋找自己的模型（Mode）的過程其實便成為一種模樣。談起未來，她說我大概離不開陶瓷了。

文字：余欣宜、柴柏松

2019.9/14

- 不知道下一步要去哪

去年夏天，在工作室遇見了一個光腳行走的女孩Niu Niu，她說到她來自法國，正在台灣旅行。看起來樸素不拘的她在家鄉也做陶，在我們相處的一週裡，她做了許多形貌簡淨的器皿，那氣氛和她的人一樣，言語不用多，就能舒服地溝通。回國前她說「我很快會回來」，果然，今年夏天我們又相見了。在工作室遷址後的開幕日，她騎著自行車前來，帶著同樣陽光熱情的笑容向我們招手。

Niu Niu的身影每天固定時間到來，也固定時間離開，看她怡然自得地拉起胚，彷彿正透過陶土形塑自己的樣子。她偶爾加入青青的飯桌，述說在家鄉的工作，與在台灣遇見的種種人事。有次她掉了錢包，經濟變得不穩定，於是在大家一起贊助物資的同時，她也擺攤賣陶。這難得的經驗讓Niu Niu感受到她作品在台灣也受到了喜愛，市集結束後，她非常愉快和「Nicolas」去買了塊乳酪，作為難得的享受。

Nicolas是Niu Niu的夥伴，也和她一樣做陶，且光著腳感受這土地上的一切。多年前，Nicolas曾經以搭便車的方式，從西班牙去到撒哈拉沙漠。經歷沙漠中劇烈的溫差與地形的險峻變動，他笑說：「如果再選擇一次，我大概不會讓自己做這樣的嘗試」。空間的移動也影響著他的創作，陶土在他手上呈現著不羈的線條，和Niu Niu完全不同。但外表粗獷的他內心其實浪漫細膩，在來到台灣前的兩個月，他們倆還在越南流浪，騎著野狼行駛在泥濘中，看原始壯麗的山脈，也看被垃圾污染的城市。Nicolas說，每天的生活就是爬山、創作，不知道下一步要去哪，就是一個旅行者的方向感。

在法國，他們所居住的北部鄉村裡，因物價高昂，於是從種菜、養雞、做甜點、刨木材、造餐具等，所有事物都必須學著自己來，也因此他們早早就懂得，要在「創造」上有所把握，不二法門就是專注及練習。Nicolas對媒材有高度好奇，任何物件在他手中都能變化成風格強烈且特色鮮明的雕塑。而Niu Niu則喜歡透過一次次的練習，為胚體調整出最符合當下狀態的造形。

「chin chin！乾杯吧！在青青工作室的這段期間，我們非常珍惜。一起做陶、吃飯、聊天、逛市場的日子很自在，這裡的氣氛與我們的個性不謀而合」他們說。而我們在兩人身上看見了旅行的藝術。旅行除了踏遍風景，亦是能夠在變動中，依然以固定的方式，做著相同的事。浪跡五個月過去，回國後他們將在法國持續陶藝創作，且希望能夠以此維生。

文字：余欣宜、柴柏松

2019.8/18